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CONCURSO EN CADENA 100

Cadena 100 empezara a partir de ya a hacer por antena un concurso regalando entradas para la sala bikini de Barcelona.
Concierto del día 26 con motivo de su cumpleaños.
Sintoniza Cadena 100 - Barcelona y estate al tanto!
Suerte amigos.

K-Dadaaaa el 22 de mayo en Valenciiiaa!!

_Inés_ escribió:Engaaaa, animarosss y apuntarOs!!!

yO ME APUNTO TAMBIÉN!!

1 ILUSTRACIÓN

primera ilustración mandada para el concurso por ÁNGELES CASTELL

Teorema de una sonrisa

Por Risto Mejide

A sonreír se aprende habiendo llorado mucho. Cuando te suena demasiado cualquier principio. Cuando deja de sorprenderte cualquier final.
A sonreír se empieza en cuanto se aprende a soñar flojito. Es inefable. Pásate varios años con demasiadas ilusiones sin cicatrizar, y a todos tus sueños les acabará saliendo una arruga. Y como no los vayas revisando y actualizando de tanto en tanto, algún día te verás explicándoles por qué ya no pueden salir a la calle vestidos de marinerito.
Pero hoy no quiero hablar de sueños. Sino de sonrisas. Y hay muchísimas maneras de estirar la boca.
Para empezar, uno puede sonreír para sí mismo o puede sonreírle a otro. Se trata de sonrisas completamente distintas, sobre todo porque mientras la primera es por donde se escapan ideas alegres y recuerdos indelebles, la segunda constituye el símbolo universal de la complicidad. En este último caso, muchos aseguran que dedicarle a alguien tus labios puede resultar tan contagioso como un bostezo en el metro.
Luego están las sonrisas que enseñan los dientes y las que se hacen las interesantes. Nada que ver las unas con las otras. Creo recordar haber leído que el ser humano, junto a algunos primates, es el único animal del planeta que no enseña los dientes como señal de defensa o agresividad, sino justamente de todo lo contrario.
A partir de ahí, todas las demás. Sonrisas de idiota y sonrisas de listillo. Sonrisas falsas, sonrisas malignas, sonrisas tímidas, arrogantes, sonrisas payasas y sonrisas desesperadas. Sonrisas que invitan a un primer paso y sonrisas que declinan toda invitación. Sonrisas verticales, horizontales, de medio lado, de medio pelo y hasta en diagonal.
El catálogo de sonrisas humanas se complementa con formas de bocas, accidentes faciales y jardines dentales, hasta crear las infinitas combinaciones que en teoría, y sólo en teoría, deberíamos estar presenciando continuamente.
Y es que una variable clave dentro de esta inusual ecuación consiste en el momento en el que decide hacerse presente. Para cualquier otra expresión física, hay que tener muy en cuenta cuándo se manifiesta. Para la sonrisa, no. Da igual la situación en la que te encuentres, una sonrisa bien dibujada siempre te va a ayudar, a ti y seguramente a los demás también. Sí, incluso en un tanatorio, en un accidente y en una ruptura sentimental.
Para terminar, matización importante. No confundirse. Sonreír no tiene nada que ver con reír. Simplemente comparten letras. La sonrisa crece. La risa estalla. La sonrisa calla. La risa berrea. La sonrisa escucha. La risa habla. Pero si se puede sonreír incluso mientras se llora. Con eso está todo dicho.
De cualquier modo, si hay algo que realmente me fascina del acto de sonreír es lo mucho que se obtiene frente a lo poco que cuesta. Lo poco que abunda frente a lo gratis que es.
Lo bien que conozco el teorema.

Lo poco que me lo sé.

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COMUNICADO DEL CLUB DE FANS

Comunicado de Labuat Fans Club a todos los fans anónimos y pertenecientes al club, dado los acontecimientos acaecidos en las últimas semanas en los que se deja entrever una desconfianza hacia el proyecto y una disconformidad respecto a algunos temas sobre el disco, ya sean publicidad del mismo o marketing y distribución.

En primer lugar no tenemos que olvidarnos del motivo que nos mantiene a todos unidos, estamos aquí para apoyar y seguir la carrera de nuestra artista a la que admiramos, Virginia Maestro.

Pensamos que el ambiente que perciba Virginia de todos sus fans es crucial para determinar el estado de ánimo de la artista. Es muy fácil buscar una cabeza de turco en la que desatar todos tus males cuando las cosas no salen como uno esperaba o como uno quiera,( sea el tema del vinilo, el tema de la poca publicidad hasta el momento, etc.), es mucho mas fácil y dice mucho mas de una persona el ser agradecido, el saber apreciar lo que se tiene hasta el momento.

Es saber que pese a ser su primer disco y viniendo del reality del que viene, que sabemos que suele ocasionar una mala influencia para los artistas noveles, se esta haciendo todo lo posible por hacer de este primer disco un disco diferente, que renueve la música del panorama español, que consiga llegar y captar a la gente mas exigente, y para este cometido no se puede delegar todo el trabajo en la productora.

Ellos tienen su parte del trabajo, pero que ni mucho menos siendo el único proyecto en sus manos, están intentando poner todo de su parte para que entre en el mercado por la puerta grande siendo un proyecto diferente y contradictorio a estos ideales.

Los fans que tan fervientemente siguen a la artista, deben mostrar su mejor cara a la hora de ofrecerle el apoyo incondicional que necesita, y hay que tener en cuenta que al fin y al cabo somos nosotros los que tenemos la última palabra y los que en cierta manera decidimos la continuidad de la misma. Por este motivo debemos permanecer lo más unidos posible y intentar que Virginia se llene de esa aura especial que ella misma desprende, de respeto, de naturalidad, de comprensión, de felicidad, de sensibilidad. Esto no significa que no se pueda criticar el trabajo realizado, pero siempre desde el respeto y intentando hacer una crítica constructiva.

En segundo lugar nos gustaría aclarar algunos puntos sobre el tema del club de fans. Hay que tener en cuenta que cualquier movimiento y cualquier organización que se crea para seguir y apoyar a Virginia está previamente consultada con todos los implicados del proyecto Labuat. Bajo su consentimiento se procede a crear un club de fans oficial, en el que todos los integrantes del mismo ya seamos de la junta o los propios socios, somos fans incondicionales que no nos escondemos bajo un nick o en el mas triste anonimato, sino que toda la información ya sea personal o de carácter económico relacionada con el club esta a la disposición de todos, pudiendo comprobarse cualquier movimiento realizado en la página del mismo.

Con esto queremos decir que el pertenecer al club de fans garantiza que el socio tendrá a su disposición cualquier tipo de información jurídica, económica, que desee consultar para aclarar cualquier duda que pueda ocasionar.

De la misma manera los socios saben que dispondrán de un sinfín de privilegios por el mero hecho de pertenecer al club, ya sean concursos con jugosos, premios, entrevistas exclusivas, descuentos en material relacionado con Virginia, descuentos en conciertos, y la posibilidad de colaborar con el club ejerciendo como delegados en cualquiera de las ciudades españolas, comprometiéndose y aceptando las obligaciones y responsabilidades que eso conlleva, pero que un fan siempre hará de buen grado por su artista.


En definitiva solo queremos animar a la gente interesada a que forme parte de este club de fans cada día mas grande y hay que tener en cuenta que la unión hace la fuerza, y nuestra Virginia necesita de esta fuerza para seguir su carrera hacia el éxito.

Labuat fans club

ILUSTRACIÓN en COMIC

CONCURSO DIBUJO ARTÍSTICO CLUB DE FANS DE LABUAT

Requerimientos: dos ilustraciones, una a color y otra en blanco y negro.

Tamaño: 21 x 30 cm (tamaño folio)

Enviar a: EDC Natura-Fundación Omacha, Apartado 497, Vila-real, 12540, Castellón

Fecha límite de recepción de obras: el 30 de MAYO de 2009

Estilo: ilustración artística tipo “cómic leyenda” (Conan, Red Sonja...)

Plano: las ilustraciones han de ser verticales

Época: edad de piedra-bronce
(9.000-5000 a. C.)

“Hacía tiempo que las eternas heladas habían comenzado a remitir en las tierras bajas de la Península, el sol parecía brillar más que nunca; atrás quedaban las glaciaciones que habían congelado el tiempo y la vida durante siglos. Praderas florecidas alternaban entonces con la blanca tierra, que se fundía hacia el norte, donde el bisonte, el uro y el ciervo pastaban libremente. Abiertas las profundas gargantas de las Montañas Sagradas, que sellaban la mayoría de pasos conocidos, la llegada de nuevas hordas de humanos a estas tierras resultaban un constante goteo.

Eran hombres salvajes; sin conocimientos, ni sabiduría alguna que destacar, espíritus sin destino ni hogar. Algunos de ellos se acercaban hasta las pequeñas aldeas, alzadas por hombres sabios y diseminadas en los prados de montaña, donde eran bienvenidos. Aprendieron el uso del arado y del bronce, a labrar el fruto de la tierra; y también el pastoreo del carnero y del buey. Otros permanecían distantes, hacían su vida recolectando y cazando, creando pequeños clanes en territorios por habitar; a menudo eran perseguidos, esclavizados por otros grupos más fuertes. Y los que menos, no siempre buscaban una tierra fértil donde prosperar, o un tranquilo valle donde huir del hostil mundo en que vivían: buscaban carne sin cacería y riquezas sin esfuerzo, y sólo ofrecían muerte.”


Situación: posado (color) y batalla (blanco y negro)

Protagonistas: Hipólita, Antíope y Menalipa

“Menalipa era la menor, sensible, hermosa y siempre con una dulce sonrisa en su boca; de largos cabellos negros y ojos de zafiro, manejaba con destreza el arco. También era la que más ansiaba sabiduría pues solía a compañar a su madre Uma, a menudo, al templo de Clito. Antíope gustaba de perderse en el bosque a lomos de aquel viejo caballo, con una lanza, y pasar largo tiempo observando su alrededor, las plantas, los animales... los hombres salvajes; sus ojos eran esmeraldas preciosas y su pelo, oro castaño que guardaba bajo un gorro de pieles curtidas. Hipólita era la mayor de ellas, y como tal se mostraba siempre dispuesta a ayudar y educar a sus hermanas; aprendió muy bien a usar las armas y la medicina; y aunque era seria, su boca parecía abrirse sólo para sonreir, y entonces su belleza no tenía igual...”

Guerreros: hombres salvajes, guerreros de espada corta a pie, lanceros y arqueros a pie, guerreras a caballo, guerreros a caballos...

“La reina Hipólita luchaba con la fuerza del león y la sabiduría del lobo; ágil como la panthera y mortal como ella misma, su larga espada atravesaba escudos y petos sin esfuerzo alguno, su filo cortaba carne, huesos y quebraba espadas ante el asombro de sus propios hombres; sin duda era el alma de la batalla que los mantenía vivos en el combate. Pero poco a poco se fue creando un círculo alrededor de ella y de sus hombres, lanzas, hachas y espadas buscaban su sangre y fueron derribados la gran mayoría de sus caballos y muchos de sus fieles guerreros muertos.

El rey Evenor entró duro con sus falanges, llegando hasta Hipólita y por unos momentos ambos se miraron, ¡había pasado tanto tiempo!. Fue un segundo, un instante… pero un descuido fatal. El filo cortante de la espada de Mirina surcó el aire hacia la espalda de Hipólita, que girándose vió como la muerte la alcanzaba; sólo la rápida intervención de Gadir con su espada frenó la mortal estocada, Mirina le miró y con un rápido golpe hirió su pecho, Gadir cayó malherido en el ensangrentado suelo. Hipólita miró fijamente a Mirina y templó su espada, y de sus ojos empezaron a brotar lágrimas de dolor al ver a Gadir en el suelo.”

Armas: piedra tallada, espada corta, lebrys, lanza, arco y flecha

Posibles detalles: la Luna y Homoterium

“Pero no estaban solos: ocultos, en lo más denso del follaje, unos ojos felinos observaban cada movimiento de la feliz pareja. Una retráctil garra se afianzaba decididamente, y sin alzar un ruido, en el suelo húmedo del bosque; agazapándose bajo las intrincadas ramas, parecía esperar su momento... y no llegaba.

Homotherium, la bestia del hombre: un carnicero de fuerza brutal, de largos colmillos que sobresalían más allá de sus mandíbulas. ¿Mito o realidad? Decían que era tan grande como un uro, mucho más que la Panthera; que una sola de sus garras abarcaba el pecho de un hombre hecho y que su fuerza, era tal, que partía a los hombres salvajes en dos con uno solo de sus zarpazos. En la acrópolis decían que era un mito; en el campo, afirmaban lo contrario. La gente del lugar aseguraba que el pantano del bosque maldito era hogar del último de ellos: el guardían de Uma, la bruja de Oriente.”

Organización de la ilustración: libre

Detalles a integrar: libre

Uso de herramientas de dibujo: libre

Diseño: libre

Premio:
El ganador realizará los 20 dibujos que ilustrarán la obra UMA SOONA, las hijas de la Luna, del autor Julio García Robles; y que será editado en noviembre de 2009. Y percibirá 300 euros en metálico y diez libros de dicha obra una vez editada.

Todos lo participantes recibirán una camiseta de la Marea Azul (hasta agotar existencias).

Para cualquier duda dirigirse a concursos@labuatfansclub.com

ILUSTRACIÓN en COMIC

Comienza ya el concurso de ilustraciones con un premio para el ganador de 300 euros en metálico patrocinado por la Fundación EDC Natura Omacha.

El ganador del premio:

- Podrá tener la oportunidad de hacer 20 ilustraciones -TIPO COMIC- en un libro con la historia de una leyenda. Las ilustraciones serán publicadas con su nombre.

-Ganara 300 euros en metálico.

Concurso exclusivo para miembros del club de Fans Oficial de Labuat. Mas información en: concursos@labuatfansclub.com

PARTITURA GUITARRA

Libros con partituras de piano, principalmente de Rock, Jazz y Blues.

Los subí a Mediafire y los comparto con ustedes.

* 100 Jazz and Blues Greats
http://www.mediafire.com/?djeddv1jxym
PDF - 19.57MB

* 557 Standards in C
http://www.mediafire.com/?dlj5fo1jiuv
PDF - 36.61MB

* Essential Film Themes
http://www.mediafire.com/?cmwinmgde9f
PDF - 9.29MB

* Jazz of the 50s
http://www.mediafire.com/?6phxp3gtxop
PDF - 11.35MB

* The Real Book of Blues
http://www.mediafire.com/?0myaomdazu0
PDF - 28.61MB

* Popular Piano Solos (Level 2)
http://www.mediafire.com/?2w1mdgydzu0
PDF - 12.32MB

* The All-time Best Collection (volume 3)
http://www.mediafire.com/?8y15yf5u1hz
PDF - 3.73MB

* The Complete Piano Player - Easy Blues
http://www.mediafire.com/?1fctkmcm9gy
PDF - 2.59MB

* The Golden Era of Rock and Roll
http://www.mediafire.com/?2guzx5mfxnl
PDF - 20.92MB

* The Jazz Piano Book
http://www.mediafire.com/?atj5o4cetzo
PDF - 20.92MB


Son libros escaneados y no pude conseguir ni los ISBN ni las tapas de muchos, es por esto que no puedo dar más datos acerca de los mismos. Los enlaces estan corregidos.

ELVIS COSTELLO

Declan Patrick MacManus nacido en Londres el 25 de agosto de 1954, conocido como Elvis Costello, es un músico, cantante y compositor británico.

Se inició en la escena pub-rock londinense a mitad de los 70 desde donde vio llegar como observador privilegiado la New Wave y el punk, movimientos con los que se asoció.

Biografía

En 1975 McManus llevaba una aparente vida convencional, casado y con hijo, y empleándose en diferentes trabajos administrativos. No obstante, componía y movía sus maquetas hasta que la independiente Stiff Records le contrató; Jack Riviera, director del sello, le propuso una identificación artística más sugerente, combinando el nombre de Elvis Presley y su segundo apellido materno: Elvis Costello ya era una realidad.

El disruptivo 1977 marca la carrera de Costello: a su fichaje por Stiff a inicios de año, le sigue la edición de su primer single Less than zero en abril, y de Alison en marzo, debutando en larga duración en verano con My aim is true, con un significativo éxito de críticas y un moderado éxito comercial (puesto 14 en el Reino Unido, entrando el el Top40 en Estados Unidos). La portada con un Costello con Fender Jazzmaster en ristre, enormes gafas de pasta, piernas en cuña embutidas en pantalón pitillo, ecos estéticos al punk y a Buddy Holly y pose desafiante era una declaración de intenciones. La banda que acompañó la grabación fueron los americanos Clover, conjunto que en aquella época practicaba el country/root y que con el tiempo se convertiría en Huey Lewis and The News: ese mismo verano, Costello reclutó a lo que sería su banda estable, The Attractions, formadada por Steve Nieve al piano, Bruce Thomas al bajo y Pete Thomas a la batería. El otoño participaría en la Stiff Live Package, con otros grupos del sello como Ian Dury, Wreckless Eric y Nick Lowe. A final de año Jack Riviera deja Stiff para fundar Radar Records a donde se llevaría a Lowe y Costello, publicando su último single Watching the detectives (grabado con el bajista y batería de Graham Parker and The Rumours) a final de año.
Elvis Costello en concierto
Elvis Costello, 1979

En los dos años siguientes publicó con el nuevo sello y la nueva banda This year's model', otra colección de singles como fue el su debut, con un estilo igual de urgente e intenso pero más crudo y directo, acaso fruto de la escena punk vigente y desligado del pub-rock setentero y músicos de country-rock con los que grabó My aim is true y Armed Forces. Con este último álbum pretendería y alcanzaría un reconocimiento comercial más amplio (el álbum y primer single Oliver's Army lograría el número dos de las listas británicas, mientras que el álbum entraría en el Top10 Estados Unidos, no así ninguno de sus singles). Armed Forces es un disco más complejo y variado musicalmente, tanto en tiempos, estilos y orquestación, igual de irónico y quizá más trabajado en cuanto a letras, y deja entrever lo que será la carrera posterior del Costello maduro de las siguientes décadas.

Costello cierra los setentas como productor, dejando su impronta en el disco debut y homónimo de The Specials.

Elvis Costello y Diana Krall se casaron en diciembre de 2003. Tuvieron sus primeros hijos, gemelos, el 6 de diciembre de 2006 en Nueva York, Dexter Henry Lorcan y Frank Harlan James.

En 2008 presentó un programa de televisión llamado Elvis Costello With... (Elvis Costello con...) co producido por CTV (Canadá), Channel 4 (Inglaterra) y Sundance Channel (Estados Unidos). Consistía en un programa de entrevistas en profundidad a miembros destacados del negocio musical, y que contó con Elton John como primer invitado. El espacio televisivo tenía fines benéficos, recaudar dinero para luchar contra el sida en África.[1]

Discografía: Álbumes
Título Fecha original de publicación Nombre Artístico usado Discográfica
My Aim Is True 22 de julio 1977 Elvis Costello Stiff Records/Columbia Records
This Year's Model 17 de marzo 1978 Elvis Costello and The Attractions Radar Records/Columbia Records
Armed Forces 5 de enero 1979 Elvis Costello and The Attractions Radar Records/Columbia Records
Get Happy!! 15 de febrero 1980 Elvis Costello and The Attractions F-Beat Records/Columbia Records
Trust Enero 1981 Elvis Costello and The Attractions F-Beat Records/Columbia Records
Almost Blue 23 de octubre 1981 Elvis Costello and The Attractions F-Beat Records/Columbia Records
Imperial Bedroom 2 de julio 1982 Elvis Costello and The Attractions F-Beat Records/Columbia Records
Punch the Clock 5 de agosto 1983 Elvis Costello and The Attractions F-Beat Records/Columbia Records
Goodbye Cruel World 18 de junio 1984 Elvis Costello and The Attractions F-Beat Records/Columbia Records
King of America 21 de febrero 1986 The Costello Show and The Confederates and The Attractions Demon Records/Columbia Records
Blood and Chocolate 15 de septiembre 1986 Elvis Costello and The Attractions Demon Records/Columbia Records
Spike 6 de febrero 1989 Elvis Costello Warner Bros.
Mighty Like a Rose 10 de mayo 1991 Elvis Costello Warner Bros.
G.B.H. Julio 1991 Elvis Costello with Richard Harvey Demon Records
The Juliet Letters 15 de enero 1993 Elvis Costello with The Brodsky Quartet Warner Bros.
Live at the El Mocambo 12 de octubre 1993 Elvis Costello and The Attractions Rykodisc
Brutal Youth 8 de marzo 1994 Elvis Costello Warner Bros.
Kojak Variety 9 de mayo 1995 Elvis Costello Warner Bros.
Deep Dead Blue 14 de agosto 1995 Elvis Costello with Bill Frisell Warner Bros./Nonesuch
Jake's Progress 6 de noviembre 1995 Elvis Costello with Richard Harvey Demon Records
All This Useless Beauty 14 de mayo 1996 Elvis Costello and The Attractions Warner Bros.
Costello & Nieve 13 de diciembre 1996 Elvis Costello with Steve Nieve Warner Bros.
Terror & Magnificence 13 de mayo 1997 Elvis Costello with John Harle Argo Records
Painted from Memory 29 de septiembre 1998 Elvis Costello with Burt Bacharach Mercury Records/Polygram Records
The Sweetest Punch 29 de septiembre 1998 Elvis Costello with Bill Frisell Universal Music Group
For the Stars 10 de abril 2001 Elvis Costello with Anne-Sofie von Otter Deutsche Grammophon
When I Was Cruel 23 de abril 2002 Elvis Costello and The Imposters Island Records
Cruel Smile 1 de octubre 2002 Elvis Costello and The Imposters Universal Music Group
North 23 de septiembre 2003 Elvis Costello Deutsche Grammophon
The Delivery Man 21 de septiembre 2004 Elvis Costello and The Imposters Lost Highway Records
Il Sogno 21 de septiembre 2004 Elvis Costello Deutsche Grammophon
Piano Jazz 12 de julio 2005 Elvis Costello with Marian McPartland Jazz Alliance
My Flame Burns Blue 28 de febrero 2006 Elvis Costello Deutsche Grammophon
The River in Reverse 6 de junio 2006 Elvis Costello with Allen Toussaint Verve Forecast
Rock and Roll Music 5 de enero 2007 Elvis Costello
Momofuku 2008 Elvis Costello & The Imposters Lost Highway

DIANA KRALL

Diana Jean Krall es una pianista y cantante de Jazz canadiense nacida el 16 de Noviembre de 1964 en Nanaimo (Columbia Británica).

Diana Krall nació en el seno de una familia de músicos en Nanaimo, en la Columbia Británica de Canadá. Comenzó a tomar clases de piano a la edad de cuatro años, y muy joven se trasladó con su familia a la ciudad de Vancouver. En el instituto empezó a tocar en un grupo de Jazz y a la edad de quince años ya tocaba regularmente en varios restaurantes de Vancouver.

A los diecisiete años ganó una beca del Festival Internacional de Jazz de Vancouver para estudiar en la Berklee College of Music en Boston donde estudió tres años. En Nanaimo llamó la atención de un afamado bajista llamado Ray Brown (ex marido de Ella Fitzgerald) quien la persuadió para mudarse a Los Ángeles y estudiar con el pianista Jimmy Rowles, con quien comenzó a cantar. Allí conoció a notables profesores y productores. El 1990 trasladó su residencia de nuevo, esta vez a Nueva York.

Diana Krall y el músico británico Elvis Costello se casaron en diciembre de 2003, el 6 de diciembre de 2006 en Nueva York tuvieron sus primeros hijos, los gemelos Dexter Henry Lorcan y Frank Harlan James.

Su Carrera

Krall grabó su primer álbum en 1993, Stepping Out, junto a John Clayton y Jeff Hamilton. Con él llamaron la atención del productor Tommy LiPuma quien produjo su segundo álbum Only Trust Your Heart en 1995.

Su tercer álbum All for You: A Dedication to the Nat King Cole Trio de 1996, fue nominado para los premios Grammy.Love Scenes de (1997) se convirtió en un rápido éxito y llevó a la fama al trio Diana Krall, Russell Malone (guitarra) y Christian McBride (bajo). Con arreglos orquestales de Johnny Mandel en disco When I Look in Your Eyes de 1999, tuvo también varias nominaciones a los Grammy y Diana recibió el premio a la Mejor Músico de Jazz del año. Ese mismo año participó con The Chieftains en la grabación del famoso tema tradicional irlandés Danny Boy para el disco Tears of Stone.

The Look of Love (2001) creada por Claus Ogerman; fue disco de platino y consiguió el puesto 10 en la lista Billboard 200. The Look of Love fue núnero uno de la lista canadiense de álbumes y cuádruple platino en ese mismo país. En Septiembre de 2001 comenzó su gira mundial. Su concierto en el Olympia de París fue grabado y editado como disco en directo, Diana Krall - Live in Paris, este disco llegó al "top" de la lista Billboard de Jazz y número 5 de la lista canadiense. Con él consiguió su segundo Grammy (Mejor disco de Jazz vocal) y un premio Juno.

Después de casarse con Elvis Costello, trabajó con él como letrista, y comenzó a componer sus propias canciones. De todo esto salió el disco The Girl in the Other Room, en abril de 2004, que se situó en el "Top 5" del Reino Unido y en el "Top 40" de Australia.

Discografía

* 2008 - " Songs of Joy and Peace" - (???) - You couldn't be cuter
* 2007 - The Very Best of Diana Krall - (Verve Records) - Recopilatorio
* 2006 - From This Moment On - (Verve Records) -
* 2005 - Christmas Songs - (Verve Records)
* 2004 - The Girl in the Other Room - (Verve Records)
* 2002 - Live in Paris - (Verve Records)
* 2001 - The Look of Love - (Verve Records)
* 1999 - When I Look in Your Eyes - (Verve Records)
* 1997 - Love Scenes - (Impulse! Records)
* 1996 - All for You: A Dedication to the Nat King Cole Trio - (Impulse! Records)
* 1994 - Only Trust Your Heart - (GRP Records)
* 1993 - Stepping Out - (Justin Time Records)
* 1989 (2002) - Heartdrops - (TCB, unauthorized) w/ Vince Benedetti

DVD

* 2004 - Live at the Montreal Jazz Festival - (Verve Records)
* 2002 - Live in Paris - (Eagle Records)

WILL NELSON

Willie Hugh Nelson (Abbott, Texas, 30 de abril de 1933) es un compositor, letrista, cantante y guitarrista estadounidense de música country, que se hizo célebre como representante del llamado movimiento outlaw country durante los años 70.

Comienzos

Tras el divorcio de sus padres, Willie y su hermana Bobbie fueron educados por sus abuelos. Se interesaron muy pronto por la música, y, con otro amigo, llegaron a formar un grupo, los Bohemian Fiddlers, mientras Willie estudiaba todavía en el instituto.

Acabados los estudios, se enroló en la Fuerza Aérea, pero tuvo que abandonarla por problemas de espalda. Asistió a clases durante un año en la Universidad de Baylor, pero abandonó los estudios y encontró trabajo pinchando música country en una emisora de Fort Worth, al tiempo que cantaba en bares honky-tonk. En 1956 se trasladó a Vancouver, en el estado de Washington, donde comenzó su carrera musical grabando el tema Lumberjack, compuesto por Leon Payne. El sencillo fue un éxito de ventas, pero Nelson no logró iniciar una sólida carrera musical, y continuó trabajando en la radio y cantando en clubes. Vendió, por cincuenta dólares, una canción compuesta por él, titulada Family Bible, que fue un éxito en la versión de Claude Gray y desde entonces ha sido interpretada por numerosos músicos y es considerada un clásico del gospel.

Escritor de canciones

Se trasladó al estado de Tennessee, pero no logró ningún contrato discográfico, aunque sí un contrato publicitario con Pamper Music. Cuando Ray Price grabó su tema Night Life (tal vez la canción country más veces versioneada), se unió al grupo de Price para su gira como bajista. Mientras tocaba con Ray Price and the Cherokee Cowboys, muchas de las canciones de Nelson fueron éxitos en las voces de otros intérpretes country, entre ellas Funny How Time Slips Away (interpretada por Billy Walker), Hello Walls (por Faron Young), Pretty Paper (por Roy Orbison) y, sobre todo, Crazy (por Patsy Cline), canción que mucho después versionaría Julio Iglesias. Firmó por Liberty Records en 1961 y editó varios singles, entre ellos Willingly (con su esposa, Shirley Collie) y Touch Me.

Tampoco entonces fue capaz de iniciar una sólida carrera musical. Sus grabaciones de la época durante la que fue compositor para Pamper Music fueron posteriormente editadas como Crazy: The Demo Sessions (2003). Su vida personal durante este período fue bastante agitada, por decirlo suavemente. Tuvo problemas de alcoholismo, faltó varias veces a su trabajo y fue condenado por tenencia de armas.

En Austin (Texas)

En 1965, Nelson fue contratado por RCA Victor Records y se unió al Grand Ole Opry. Siguieron una serie de éxitos menores. Decepcionado por el negocio musical, que trataba de ahormar su impulso creativo, se retiró a la ciudad de Austin, en Texas. Pronto se vio envuelto en los ambientes musicales hippies (ver Armadillo World Headquarters) y decidió regresar a la música. En Austin alcanzó gran popularidad, ya que interpretaba un estilo de country muy personal, con influencias del rock and roll, el jazz, el western swing y el folk.

El estilo Outlaw Country

Con Atlantic Records, Nelson grabó Shotgun Willie (1973), muy bien recibido por la crítica, pero escasamente vendido. Phases and Stages (1974), un álbum conceptual inspirado por su divorcio, incluía el éxito Bloody Mary Morning. Más tarde fichó por Columbia Records, donde se le dio pleno control creativo sobre su obra. El resultado fue un álbum inmensamente popular y unánimemente aclamado por la crítica, Red Headed Stranger (1975). Aunque Columbia puso al principio dificultades para editar un disco con una guitarra y un piano por todo acompañamiento, Nelson insistió (con ayuda de Waylon Jennings) y el álbum fue un gran éxito, en parte a causa de la inclusión en él de una popular versión del tema Blue Eyes Crying in the Rain (compuesto por Fred Rose en 1945).

Junto a with Nelson, Waylon Jennings alcanzó también un gran éxito en el mundo del country a comienzos de los 70, y pronto se acuñó la etiqueta outlaw country para definir el tipo de música que ambos practicaban. El término «outlaw» («proscrito») hacía referencia a que su música no se ajustaba a los cánones de Nashville. Esta imagen de proscrito de Nelson se afianzó con su siguiente álbum, Wanted: The Outlaws! (1976, junto a Waylon Jennings, Jessie Kennings y Tompall Glaser), el primer álbum country en convertirse en Disco de Platino. Nelson continuó copando las listas con canciones de éxito durante la segunda mitad de la década. Entre estos éxitos destacan Good Hearted Woman (a dúo con Jennings), Remember Me, If You've Got the Money I've Got the Time, Uncloudy Day, I Love You a Thousand Ways y Something to Brag About (dúo con Mary Kay Place).

En 1978, Nelson grabó dos nuevos álbumes que serían también discos de platino: Waylon and Willie (una colaboración con Jennings que incluye una de las canciones más características de este último, Mammas Don't Let Your Babies Grow Up to Be Cowboys) y Stardust, un inusual disco de standards o clásicos interpretados a la guitarra, producido por Booker T. Jones. Aunque la mayor parte de los críticos predijeron que Stardust acabaría con su carrera musical, terminó siendo una de sus más exitosas grabaciones.

Carrera como actor

Nelson empezó también una carrera como actor. Apareció en El jinete eléctrico (1979), y fue el protagonista de varias producciones, como Honeysuckle Rose (1980), Barbarosa (1982), Red-Headed Stranger (1986, con Morgan Fairchild), Wag the Dog (1997), Gone Fishin (1997), en el papel de Billy 'Catch' Pooler, y el telefilme de 1986 Stagecoach (junto a Johnny Cash, Waylon Jennings y Kris Kristofferson, con quienes formaría un grupo llamado The Highwaymen).

Después de esto, Nelson ha continuado trabajando como actor, pero generalmente solo en pequeños papeles y cameos, como en Half Baked, película en la que interpreta a un anciano «fumador histórico» que, mientras fuma marihuana, recerda lo que solía hacer en su juventud; Nelson apareció también en la película de 2006 Beerfest, en el que busca compañeros de equipo para un imaginario campeonato del mundo de fumadores de marihuana que tiene lugar en Ámsterdam. Ha hecho también apariciones como estrella invitada en varias series de televisión, como Corrupción en Miami, Delta, Nash Bridges, Los Simpson, Monk y El rey de la colina. Interpretó a "tío Jesse" en la película The Dukes of Hazzard, versión cinematográfica (protagonizada por Jessica Simpson) de una serie de televisión, y colaboró con esta actriz en su video musical. Retomó el papel para la segunda parte de la película, The Dukes of Hazzard: The Beginning (2007).

De los años 80 a la actualidad

Durante los 80 publicó una serie de singles de éxito: Always on My Mind (tema antes popularizado por Elvis Presley y Pet Shop Boys), On the Road Again, de la película Honeysuckle Rose, y To All the Girls I've Loved Before, un dúo con Julio Iglesias que obtuvo notable éxito y ayudó a impulsar la carrera de Julio en EE. UU.. Según el propio Julio, esta canción sigue siendo una de las más tocadas en las máquinas Jukebox (tocadiscos de monedas). También editó Nelson algunos álbumes más populares, como Pancho and Lefty (1982, en colaboración con Merle Haggard), WWII (1982, con Waylon Jennings) y Take it to the Limit (1983, también con Jennings).

A mediados de la década, Nelson, Waylon Jennings, Kris Kristofferson y Johnny Cash formaron un grupo llamado The Highwaymen, que tuvo un éxito inesperado, con ventas masivas y giras mundiales. Por la misma época, se implicó en obras de caridad, como la creación de los conciertos Farm Aid, en ayuda de los granjeros, en 1985.

En 2004 grabó un tema de Bob Dylan, He Was a Friend of Mine, para la BSO de la multipremiada película Brokeback Mountain; dicha grabación ha de tomarse como muy audaz por sus connotaciones gay, ya que por contexto, la «amistad» descrita en la letra adopta el componente amoroso homosexual de la película. En 2006, Nelson colaboró con la ya mencionada Jessica Simpson tocando la guitarra en una nueva versión de la canción These Boots Are Made for Walkin', para la película The Dukes of Hazzard en la que ambos participaron. Esta canción es un antiguo éxito de Nancy Sinatra.

En 2008 se publica el disco conjunto Two Men With The Blues, grabado en directo en dos sesiones ofrecidas en el Lincoln Center de Nueva York , durante los días 12 y 13 de enero de 2007, junto con uno de los intérpretes de jazz más importantes de Estados Unidos, Wynton Marsalis. Se trata de un disco histórico, pues resulta significativa y difícil la reunión de dos de los principales iconos de la música americana actuales. En esta grabación se escuchan los sonidos de Nueva Orleans, Nashville, Austin y Nueva York, en la forma de estándares de jazz y blues.

BONNY LYNN RAITT

Bonnie Lynn Raitt, (8 de noviembre de 1949, Burbank (California), Estados Unidos) es una cantante y guitarrista de Blues y R&B, hija de la estrella de musicales de Broadway John Raitt.

Comienzos

Raitt comenzó a tocar la guitarra a una edad muy temprana, algo que no hacían muchas de sus amigas del colegio. Más tarde se hizo famosa por su estilo de tocar la guitarra con slide.

Etapa previa a las grabaciones

En 1967, Raitt continuó su carrera entrando en el Radcliffe College para estudiar una licenciatura en estudios africanos.

Un día un amigo le dijo que el productor de blues Dick Waterman daba una entrevista en la WHRB, la emisora del Harvard College. Raitt fue a verlo, y rápidamente se hicieron amigos. Cuando Waterman se trasladó a Philadelphia con sus músicos y amigos, Bonnie Raitt estaba entre ellos formando una parte muy activa. Por entonces tocaba folk y R&B en clubs de Boston, llegando a tocar junto a figuras como Howlin' Wolf, Sippie Wallace, y Mississippi Fred McDowell, todos conocidos a través de Waterman

Contrato con Warner Bros.

En los últimos años de los 70, un periodista del NewsWeek Magazine la vio en concierto junto a Fred McDowell, y numerosos cazatalentos empezaron a frecuentar sus actuaciones. Finalmente aceptó una oferta con la Warner Bros., quienes le dieron la oportunidad de sacar su primer disco homónimo. Fue una de las primeras mujeres en ser reconocidas como gran guitarrista, sobre todo por su técnica de slide. en 1972 sacó un nuevo disco, Give It Up, intentando mejorar el modesto éxito que tuvo el anterior. Aunque tuvo buenas críticas, el éxito comercial tardaba en llegar, y lo mismo pasó con su tercer álbum Takin' My Time. A pesar de llegar a tener un titular en la revista Rolling Stone incluso, Bonnie Raitt decidió experimentar con nuevos sonidos para su nuevo álbum Streetlights de 1974, y tomó un nuevo estilo mas blues en 1975 con su disco Home Plate. Realizó una colaboración en el disco homónimo de Warren Zevon con amigos como Jackson Browne, Lindsey Buckingham y Stevie Nicks.

Altibajos en el éxito comercial

En 1977 publica Sweet Forgiveness, que le da su escape al éxito comercial con un éxito llamado Runaway, versión de Del Shannon. Esta versión llamó la atención de Columbia Records, que comenzó las negociaciones con Warner Bros. Tras la gran expectación de su nuevo álbum The Glow, pero tuvo modestas ventas y peores críticas. Comenzó a oírse su nombre cuanco colaboró en la organización de los 5 conciertos de MUSE (Músicos unidos para el ahorro energético) en el Madison Square Garden. Hasta 1982 no lanzó su siguiente álbum, Green Light, que tuvo un gran éxito para la crítica pero seguía sin convencer al gran público, con lo que Warner decidió terminar el contrato.

Adiós a Warner Bros.

En 1983, Warner Bros hizo una criba de artistas, entre los que cayeron Van Morrison, Arlo Guthrie y Bonnie Raitt. Por entonces, ella estaba trabajando en un nuevo álbum titulado Tonge & Groove, y la falta de apoyo para terminarlo la empujó a caer en la adicción del alcohol y las drogas.

Aparte de sus problemas personales y profesionales, Raitt continuaba de gira y participaba activamente en la política internacional. En 1985 cantó junto a multitud de artisas en el video de Sun City que se dedicó a la lucha contra el apartheid. También colaboró en el Farm Aid, en muchos conciertos de Amnistía Internacional y en el concierto sovietico/americano de Moscú por la Paz, emitido por televisión. Junto a Don Henley, Herbie Hancock y Holly Near colaboró en el concierto contra el SIDA de 1987.



Salida del nuevo disco

Dos años más tarde de que fuera despedida de Warner Bros., le notifican que tienen planes de lanzar su disco, con el título de Nine Lives. Su éxito fue nulo, tanto para crítica como para el público. A finales de 1987 se unió a k.d. lang y a Jennifer Warnes para un epecial de Roy Orbison para televisión. Por entonces Raitt ya estaba desintoxicada y sobria, dicen que gracias a Stevie Ray Vaughan. A punto estuvo de firmar para Paisley Park, cuando recibió una suculenta oferta de Capitol Records. Su primera aportación fue una versión de Baby Mine, de Dumbo, para un recopilatorio tributo a Disney, y comenzó a trabajar en nuevo material.

Ligero éxito comercial

En su décimo álbum, Nick of Time, consiguió colocar un número 1 en las listas americanas y ganó 3 Grammys, mientras ganaba un cuarto por su dueto con John Lee Hooker en la canción In the Mood. Su siguiente álbum Luck of the Draw ganó 3 Grammys más, y dio una de las mejores baladas de todos los tiempos, "I Can't Make You Love Me". Un nuevo álbum en 1994 llamado Longing in Their Hearts le dio dos nuevos Grammys, llegando incluso al disco de platino las ventas. Terminó la década de los 90 con su disco Fundamental.

Discografía

* Bonnie Raitt (1971)
* Give It Up (1972) #138 US
* Takin' My Time (1973) #87 US
* Streetlights (1974) #80 US
* Home Plate (1975) #43 US
* Sweet Forgiveness (1977) #25 US
* The Glow (1979) #30 US
* Green Light (1982) #38 US
* Nine Lives (1986) #115 US
* Nick of Time (1989) #1 US, #51 UK
* Luck of the Draw (1991) #2 US, #38 UK
* Longing in Their Hearts (1994) #1 US, #26 UK
* Road Tested (1995) #44 US, #69 UK
* Fundamental (1998) #17 US, #52 UK
* Silver Lining (2002) #13 US

* Souls Alike (2005) #19 US

ARETHA FRANKLIN

El nuevo sonido soul (1980-1997)

El 25 de octubre de 1980 comienza una nueva etapa para Aretha Franklin; ese día, se lanza su primer álbum en Arista: "Aretha". El álbum fue producido por Clive Davis y Chuck Jackson, y la promoción fue muy amplia, ya que ella era la primera artista importante que esta discográfica llevaba. Hay versiones, al igual que hizo años antes, pero esta vez con un sonido bastante más pop, y totalmente acorde con los 80; entre estas versiones, están "What a Fool Believes", de The Doobie Brothers y "I Can't Turn You Loose" Otis Redding. El mayor hit extraído del disco fue el tema "United together".

En 1981, llegó "Love All the Hurt Away", que se abría paso en el mercado con el single que da título al disco, un dueto entre Aretha y George Benson. Con este álbum, Aretha volvía a los primeros puestos del panorama musical con un nuevo sonido que mezclaba el soul, rock, urban y quiet storm. Del álbum entraron en las listas de ventas dos temas más, aparte del primer single: "It's my turn" y "Hold on! I'm comin'!", gracias al cual consiguió un Grammy. Pero en 1982, con el disco "Jump to it", llegó de nuevo el gran éxito. Con el tema "Jump to it" consiguió su primer número uno en más de media década. "Love me right" fue otro de los temas que salieron del álbum, consiguiendo también una buena aceptación. En este disco habían trabajado en la composición Luther Vandross, The Isley Brothers, Smokey Robinson y la propia Aretha; además, todos ellos bajo la producción de Clive Davis, lo que hizo que este fuera el mayor éxito de Aretha tras mucho tiempo en la sombra. Debido al éxito del álbum anterior en "Get it right" (1983) Luther Vandross creó la mayoría del material para el disco. "Every girl" y "Get it right", ambos temas escritos por Vandross gozaron de gran audiencia, al igual que, en menor medida, la versión del tema de The Temptations "I Wish It Would Rain". En 1984, la discográfica Chess, con la que Aretha había empezado a trabajar en el gospel, editó un álbum grabado junto a su padre, Clarence LeVaughn Franklin, en vivo durante una sesión gospel. Llevaba por título "Never Grow Old".

En 1985, aretha vino con un álbum mucho más pop, "Who's Zoomin' Who?". Puesto que la carrera de Luther Vandross por este tiempo tomaba sus propias riendas como solista, el trabajo de composición que realizó en los dos últimos álbumes, en este lo hacía Narada Michael Walden. Este álbum fue hasta el momento el más laureado de Aretha en la compañía. Contiene algunos de los hits más fuertes de la década, como el reivindicativo "Sisters are doin' it for themselves" junto a Eurythmics. Otros tres singles tuvieron gran impacto en el público: "Freeway of love", "Another night" y "Who's zommin' who?". Por el tema "Freeway of love consiguió ganar dos Grammy. En 1986 se editó otro álbum titulado "Aretha", pero ésta vez con un ambiente mucho más rockero, visible además en su aspecto. Cosechó dos grandes hits con este disco: la canción "Jumpin' Jack Flash" producida por Keith Richards y perteneciente a la banda sonora del mismo nombre; y el dúo junto a George Michael "I Knew You Were Waiting (For Me)". Otros temas con bastante menos repercusión fueron "Jimmy Lee" y el dúo junto a Larry Graham "If You Need My Love Tonight". Quince años después de la grabación de "Amazing grace", en 1987 lanzó "One Lord, One Faith, One Baptism", el segundo álbum íntegramente gospel de su carrera. En él colaboran Erma Franklin, Carolyn Franklin, Mavis Staples, C.L. Franklin, Joe Ligon, Jesse Jackson y Jasper Williams.

Tras dos años de descanso, en 1989 editó "Through the storm", un álbum en el que se incluían duetos con grandes estrellas del momento: "Through the storm" con Elton John, "It isn't, it wasn't, it ain't never gonna be" con Whitney Houston, "Gimme your love" junto a James Brown y "If ever a love there was" en compañía de The Four Tops y Kenny G. El trabajo y la presencia en los escenarios de Aretha ya empezaba a ser menos constante, y sus álbumes no eran tan frecuentes como antes. En 1991 lanzó "What you see is what you sweat", del que salieron tres singles con alguna repercusión: "Everyday people", "Someone else's eyes" y "Every changing times" con Michael McDonald. En el álbum se incluye también la versión de "I dreamed a dream" que cantaría ante Bill Clinton. Contenía también un tema junto a Luther Vandross "Doctor's orders". Tras este álbum Aretha tardaría más de siete años en editar un álbum con temas nuevos, pero su paseo por los escenarios nunca cesó.


Asimilación al R&B contemporáneo (1998-2007)

Desde la edición de su anterior álbum, Aretha tardó mucho en ir de nuevo al estudio a grabar, pero en ese tiempo tuvo una intensa actividad sobre los escenarios estadounidenses. En 1993 y en 1997 cantó en las ceremonias de apertura del gobierno de Bill Clinton; y en 1995 recibiría un Grammy por toda su carrera. En 1998 demostró que era una de las estrellas de la música de nuestro siglo en el espectáculo de VH1, Divas Live, donde actuó con algunas de las artistas que habían roto las listas de ventas en la última década como Mariah Carey, Céline Dion o Shania Twain. "The Queen of Soul", con tan sólo dos actuaciones se convirtió en la estrella de la gala, ridiendo al público a sus pies.

A finales de los '90, Aretha se había trasladado de forma definitiva a Detroit, y hablaba de comenzar a formar una discográfica propia. Uno de los principales motivos de esto era el promover las carreras musicales de sus hijos; Kecalf Cunningham, Eddy Richards y Teddy Richards.

En 1998 lanzó "A rose is still a rose", producido por P. Diddy y Lauryn Hill; siendo el primer álbum de Aretha dentro del R&B contemporáneo y el neo soul, con tendencias hip-hop.

En 2003 volvió con "So damn happy", colaborando con Mary J. Blige y con un sonido totalmente neo soul que en cierta forma volvía a sus raíces. Desde entonces está embarcada en el tour "The Queen Is On", que la lleva por todo Estados Unidos con gran éxito.

En 2007 esta previsto el lanzamiento de "A woman falling out of love", el primer álbum editado en Aretha Records, y en el que colaborarían artistas gospel como Shirley Caesar o The Clark Sisters, Fantasia Barrino y la estrella del country-pop Faith Hill; pero aún se está a la espera de confirmación de una nueva fecha para el lanzamiento. En noviembre de 2007 lanza "Jewels in the Crown of the Queen", un álbum de duetos, que incluye dos temas nuevos con Fantasia Barrino y John Legend, y en el cual aparecen colaboraciones anteriores con artistas como Whitney Houston, George Michael, George Benson, Luther Vandross o Mary J. Blige.Al mismo tiempo comienza a realizar castings para encontrar cantantes para encarnar su vida en un musical autobiográfico, rumoreándose que algunas de las posibles podrían ser Jennifer Hudson o Fantasia Barrino.

En 2008 ha sido elegida como personaje Musicales del año en el 50 Aniversario de los Premios Grammy, en los cuales ha conseguido su vigésimo galardón gracias al dueto con Mary J. Blige, "You never gonna change my faith". También durante 2008 ha grabado el tema promocional de una empresa privada titulado "Stand up yourself",el cual al mismo tiempo sirve como adelanto para el álbum que prepara.

El martes 20 de enero de 2009 se presentó en el acto de asunción al mando del presidente de los Estados Unidos de América, Barack Obama.

Vida personal

Está divorciada dos veces, y es madre de cuatro hijos. Dos de ellos, Kecalf y Teddy, son personajes activos dentro del mundo de la música. Teddy es el director artístico y de la banda de músicos de Aretha en sus giras. Desde 1962 hasta 1969 estuvo casada con Teddy White. En 1978 se casó con el actor Glynn Turman, del que se divorciaría en 1984.



Discografía de Aretha Franklin

Selección discográfica

* 1967 I never loved a man the way I love you
* 1967 Aretha arrives
* 1968 Lady soul
* 1968 Aretha now
* 1970 This girl's in love with you
* 1971 Young, gifted and black
* 1972 Amazing grace
* 1973 Hey now hey (the other side of the sky)
* 1974 With Everything I Feel in Me



* 1974 Let Me in Your Life
* 1975 You
* 1976 Sparkle
* 1978 Almighty Fire
* 1982 Jump to It
* 1983 Get It Right'
* 1985 Who's Zoomin' Who?
* 1991 What you see is what you sweat
* 1998 A rose is still a rose
* 2003 So damn happy
* 2007 Jewels In The Crown: All-Star Duets With The Queen
* 2007 A Woman Falling Out of Love

Top 10 singles en US Hot100
Año Título Máx. Posición
1967 "I Never Loved A Man (The Way I Love You)" 9
1967 "Respect" 1
1967 "Baby I Love You" 4
1967 "(You Make Me Feel Like) A Natural Woman" 2
1967 "Chain Of Fools" 2
1968 "(Sweet Sweet Baby) Since You've Been Gone" 5
1968 "Think" 7
1968 "The House That Jack Built" 6
1968 "I Say a Little Prayer" 10
1971 "Bridge Over Troubled Water" / "Brand New Me" 6
1971 "Spanish Harlem" 2
1971 "Rock Steady" 9
1972 "Day Dreaming" 5
1973 "Until You Come Back to Me (That's What I'm Gonna Do)" 3
1985 "Who's Zoomin Who?" 7
1985 "Freeway of Love" 3
1987 "I Knew You Were Waiting (For Me)" (con George Michael) 1

Premios y reconocimientos

* El 3 de enero de 1987 fue la primera mujer incluida dentro del Rock and Roll Hall of Fame.
* En septiembre de 1999 se le otorgó la medalla nacional de las artes de manos del presidente Bill Clinton.
* En 2005 el presidente George Bush le otorgó la medalla de la libertad.
* En 2005 se convirtió en la segunda mujer en entrar en el UK Music Hall of Fame.
* En 2005, la revista Rolling Stone la posicionó en el puesto #9 dentro de los "100 mejores artistas de todos los tiempos"; siendo la primera mujer en la lista.
* El 13 de mayo de 2006 fue nombrada "doctora en música" del Berklee College of Music.
* El 5 de octubre de 2006 fue galardonada con el Golden Nest Award a una legenda en el "African Musical Awards" celebrado en Dakar.
* El 14 de mayo de 2007 fue nombrada "doctora en música" de la Universidad de Pennsylvania.
* El estado de Michigan declaró su voz como "tesoro natural".
* Es la mujer con más Grammys de la historia, tras Alison Krauss.
* Es la persona más joven en recibir con su nombre un Kennedy Center Honor.
* Fue la primera mujer negra en aparecer en la portada de la revista Time.
* En 2008 ha sido elegida por la revista Rolling Stone como la mejor cantante de todos los tiempos.


Grammy Awards
Año Título Categoría Género
1967 Respect Mejor actuación vocal femenina en solitario R&B
1967 Respect Mejor grabación R&B R&B
1968 Chain of fools Mejor actuación femenina R&B
1969 Share your love with me Mejor actuación vocal femenina R&B
1970 Don't play that song Mejor actuación vocal femenina R&B
1971 Bridge over troubled water Mejor actuación vocal femenina R&B
1972 Amazing grace Mejor actuación soul gospel Gospel
1972 Young, gifted & black Mejor actuación vocal femenina R&B
1973 Master of eyes Mejor actuación vocal femenina R&B
1974 Ain't nothing like the real thing Mejor actuación vocal femenina R&B
1981 Hold on I'm comin' Mejor actuación vocal femenina R&B
1985 Freeway of love Mejor actuación vocal femenina R&B
1987 I knew you were waiting (George Michael) Mejor actuación vocal en dúo o grupo R&B
1987 Aretha Mejor actuación vocal femenina R&B
1988 One lord, one faith, one baptism Mejor actuación soul gospel Gospel
1991 Legend Award General
2003 Wonderful Mejor actuación vocal de R&B tradicional R&B
2006 A house is not a home Mejor actuación vocal de R&B tradicional R&B
2008 You never gonna change my faith Mejor colaboración de Gospel Gospel

ARETHA FRANKLIN

Aretha Franklin es una cantante de soul, R&B y gospel. Nació el 25 de marzo de 1942 en Memphis (Tennessee). Apodada como "Lady Soul" o "Queen of soul" (La Dama [o Reina] del Soul), es para algunos una de las artistas más influyentes en la música contemporánea. A mediados de los años 60 se consolidó como estrella femenina del soul, algo que usó en favor de los derechos raciales en Estados Unidos, siendo un elemento influyente dentro del movimiento racial y de la liberación femenina. Ha influido a decenas de artistas, como Whitney Houston, Mariah Carey, Janis Joplin, Natalie Cole, Christina Aguilera, etc.

Biografía

Infancia y formación

Nació el 25 de marzo de 1942 en Memphis (Tennessee), y creció en Detroit. Era hija del predicador Clarence LeVaughn Franklin y la cantante de gospel Barbara Franklin. Su madre abandonó a su familia cuando Aretha era una niña, y poco tiempo después, murió. Su padre vio pronto el talento de Aretha, por lo que quiso que tomara clases de piano, pero ella lo rechazó y prefirió aprender por sí sola con la ayuda de grabaciones. En este tiempo, permanecía en un tour itinerante de gospel, donde uno de los primeros temas que interpretó fue "Precious Lord". Los genios del gospel Clara Ward, James Cleveland y Mahalia Jackson eran íntimos de su familia, por lo que Aretha creció rodeada de ellos. A pesar de vivir en este ambiente religioso, su vida no era nada eclesiástica; pues con tan solo quince años, tuvo a su primer hijo, y dos años después tuvo el segundo.

Desarrollo artístico

Principios e influencias gospel en Cheker (1956-1960)

Las raíces gospel de Franklin son una de las huellas más personales e influyentes en su carrera. Con sus hermanas Carolyn Franklin y Erma Franklin (ambas mantuvieron también carreras en solitario) cantaba en la Iglesia Baptista de Detroit, que estaba regentada por su padre, C.L. Franklin, un predicador baptista, apodado "La voz del millón de dólares" y uno de los principales confidentes del líder Martin Luther King. Aretha pasó toda su infancia dentro de este ambiente gospel y rodeada de voces del jazz como Dinah Washington y Ella Fitzgerald. Con tan solo 14 años hizo su primera grabación para el sello Checker, The gospel soul of Aretha Franklin, en el que se podían oír composiciones gospel con un potente sonido soul, lleno de melodías a piano, instrumento que dominaba desde su infancia. En 1960, viajó hasta Nueva York para tomar clases de técnica vocal y danza. En este tiempo, empezó a grabar demos para enviar a las discográficas.

Etapa en Columbia y Harmony (1961-1966)

Tras un tiempo en el que Aretha comenzó a ser considerada una joven prodigio, se comentaba que Motown estaba interesada en ficharla, pero finalmente firmó con el sello Columbia, bajo la dirección de John Hammond. Aretha entró en Columbia como una artista soul, pero con el tiempo, la compañía comenzó a adentrarla en su catálogo de jazz, como se demuestra en Unforgettable: a tribute to Dinah Washington (1964), en el que rinde homenaje a una de sus grandes ídolos. Aretha no estaba de acuerdo con esta guía, ya que se sentía como una artista soul y no como una dama del jazz, aunque en esa epoca se pudo comprobar la versatilidad musical que poseia y en donde se pueden encontrar muchas de sus mas bellas melodias como por ejemplo "Sweet bitter love", "Skylark", "Try a little Tenderness" y muchas otras. Esto fue lo que motivo la salida por decisión propia de Aretha en 1964. En esta época, consiguió éxitos menores entre los que destacan Operation heartbreak, Rock-a-bye Your Baby With a Dixie Melody, Lee Cross y Soulville. Tras su marcha de Columbia, editó Songs of faith (1964) con la discográfica en que debutó y donde continuaba ese sentimiento gospel. Un año más tarde, salió Once in a lifetime, bajo el sello Harmony.

Revolución del soul (1967-1969)

Cuando Aretha abandonó Columbia para fichar por Atlantic, el productor Jerry Wexler se propuso sacarle todo el soul que llevaba dentro. El primer single que grabó dentro de Atlantic fue I never loved a man the way I love you, para lo que contaron con el acompañamiento de The Muscle Shoals, en Alabama, a pesar de que la sesión de grabación del tema se tuvo que finalizar en Nueva York. Este tema ha sido avalado por muchos críticos como una de las grandes canciones del soul, y la revista Rolling Stone escribió: "Franklin ha grabado su versión de la maravilla soul, un lamento sobre qué-mal-me-has-tratado, con los The Muscle Shoals, unos chicos blancos de Alabama". El single irrumpió en todas las radios, pero aún lo harían con mucha más fuerza Respect -versión de un single que Otis Redding había grabado en 1965- con el cual Aretha se consagraba definitivamente. La canción se grabó en los estudios de Atlantic, en Nueva York, el 14 de febrero de 1967. A la versión original de Redding se le añadió un puente y un solo de saxo, de la mano de King Curtis; también se le añadieron los cambios de acordes del tema When something is wrong with my baby, de Sam & Dave.

El 10 de marzo de 1967 se editaba el álbum I never loved a man the way I love you, que contenía los dos singles anteriores, además de temas como la versión de la canción de Ray Charles Drown in my own tears o las canciones de Sam Cooke Good times y A change is gonna come. Pero Aretha también contribuyó a este álbum como compositora, con los temas Don't Let Me Lose This Dream, Baby, Baby, Baby, Save Me y Dr. Feelgood (Love Is a Serious Business). Ese mismo año, consiguió dos premios Grammy, siendo la segunda mujer en hacerlo. También en 1967 (4 de agosto), editó el disco Aretha arrives, del que se pueden destacar los temas "Satisfaction" y "Baby, I love you". Este segundo álbum en Atlantic alcanzó el número uno, pero no fue tan popular como su predecesor.

En 1968 lanzó Lady soul, con el que volvería a conocer el éxito masivo. El disco contenía éxitos de la música soul como Chain of fools, A natural woman o Ain't no way. También había colaboraciones de Eric Clapton en el tema Good to me as I am to you, temas de Ray Charles Come back baby, James Brown Money won't change you y el clásico de Curtis Mayfield People get ready. En el álbum, colaboraban en los coros de The Sweet Inspirations, compuesto por Doris Troy, Dionne Warwick, su hermana Dee Dee Warwick y la prima de ambas Cissy Houston (madre de Whitney Houston). Seis meses después, se lanzó Aretha now, que continuaba una cadena de éxitos con Think y el popular tema de Burt Bacharach I say a little prayer, y que con anterioridad había interpretado Dionne Warwick. En 1969, el álbum Soul'69 cerraba la década con el éxito de los singles River's invitation y Bring it on home to me.


Evolución hacia nuevos tiempos (1970-1979)

A finales de la década de los 60 y principios de los 70, Aretha empezó a hacer versiones de temas rock, pop y soul que ya habían sido grandes éxitos; entre ellos, temas de The Beatles como "Let it be" o "Eleanor Rigby", de Simon & Garfunkel, como su versión tan famosa como la original de "Bridge over troubled water"; o artistas soul como Sam Cooke o The Drifters. A principios de los 70, el éxito de Aretha continuaba sin decaer, siendo ya una artista totalmente consagrada dentro del panorama musical internacional.

En 1970 editó dos álbumes. El primero fue "This Girl's in Love With You", un álbum cargado de versiones: "Share Your Love With Me", de Bobby Blue Band, el ya múltiplemente versionado "Son of A Preacher Man", los éxitos de The Beatles "Let it be" y "Eleanor Rigby", el tema interpretado por Rotary Connection o The Staple Singers "The weight", "Dark end of the street", de James Carr... Pero en este álbum uno de los mayores hits fue "Call me", escrito por la propia Aretha. El título del álbum era un remake del tema de Burt Bacharach "This Guy's in Love With You". Ese mismo año, (1970) editó también "Spirit in the dark", en el que vuelve a hacer versiones de B.B. King, Jimmy Reed y Dr. John. En este álbum contó con una instrumentación de lujo por parte de The Muscle Shoals, The Dixie Flyers y el guitarrista Duane Allman. Los dos singles extraídos del álbum fueron "Don't play that song" y el tema escrito por Aretha que daba nombre al álbum. En 1971 salió al mercado la grabación de una actuación en vivo: "Aretha Live at Fillmore West", donde cantaba sus grandes éxitos, a la vez que las versiones de Stephen Stills "Love the One You're With" y de Bread "Make It With You". En este álbum aparecen el saxofonista King Curtis, y una versión de "Spirit in the dark" junto a Ray Charles. Hasta este momento, Aretha seguía haciendo su soul sesentero, con tan solo algunas variaciones como la inclusión de versiones de temas rock; pero, en 1971, con "Young, gifted and black", su sonido empezó a adecuarse a los 70, con un sonido que precedía a la música disco y la inclusión de nuevos ritmos, además de una nueva imagen. Tres de los mayores éxitos de este álbum están escritos por Aretha: "Day dreaming", "Rock steady" y "All the king's horses". Incluyó de nuevo versiones, como "The long and winding road" de The Beatles y "I've been loving you too long" de Otis Redding. En 1972, llegó el primer álbum totalmente gospel de su carrera, grabado en directo junto a The Southern California Community Choir y James Cleveland. De este disco son famosas su versiones gospel de "You've got a friend", "Wholy Holy" de Marvin Gaye, "How I got Over" de Clara Ward o la tradicional "Precious memories".

Un año después, en 1973, llegó "Hey Now Hey (The Other Side of the Sky)", el último álbum de Aretha antes de sucumbir casi totalmente a la música disco. Aparte de hits como "Angel" (compuesta por Carolyn Franklin), "Somewhere" (del compositor y pianista Leonard Bernstein) o "Master of Eyes (The Deepness of Your Eyes)" (escrita por Aretha y Bernice Hart), uno de los mayores impactos que produjo el álbum fue por su original y extraña portada. "Let Me in Your Life", de 1974, mostraba una nueva imagen de Aretha, con una portada en la que ya aparecía como una "diva", envuelta en un abrigo de piel. Seguía sonando a soul, pero su inclusión en la música disco era cada vez mayor. De este álbum salieron dos hits: "Until You Come Back to Me (That's What I'm Gonna Do)", interpretada anteriormente por Stevie Wonder, y "I'm in love", escrita por Bobby Womack y convertida en éxito en 1968 por Wilson Pickett. Ese mismo año editó "With Everything I Feel in Me", con el que, de cierta forma, empezó el declive de la artista, saliendo airosos tan solo dos modestos temas: "Without love" y la canción escrita por Aretha que da título al disco. Con "You", en 1975, llegó la caída momentánea; era un álbum en el que el esplendor vocal continuaba, pero la producción y composición no tenían nada que ver con lo anteriormente hecho, y de ahí que sólo se escuchara por muy poco tiempo el primer single, "It Only Happens (When I Look At You)". Pero, tras un año de trabajo, Aretha se cruzó en el camino de Curtis Mayfield, y junto a él creó la banda sonora de la película "Sparkle", con lo que la cantante recuperaba en cierta forma su estatus musical. El single "Sparkle" fue un genial hit; "Giving Him Something He Can Feel" se convertía en un himno; y "Jumpt to it" rompía en las pistas de baile. Parte del éxito del disco fue por las letras creadas por Mayfield, además de por una buena producción y los coros de Kitty Haywood Singers.

En el año 1977, lanzó dos álbumes que tuvieron un modesto éxito, siendo bastante fugaces: "Satisfaction" y "Sweet passion" (de este último destaca el single "Break It to Me Gently"). En esta época de escasos éxitos para la cantante, en 1978 se juntó de nuevo con Curtis Mayfield, quien escribió "I needed baby" dentro del álbum "Almighty Fire". Aretha cerró la década con un álbum que llevaba por nombre aquello que en cierta manera le había hecho caer "La diva" (1979), en el cual se incluían temas escritos por la propia Aretha como "Ladies Only", "Only star", "I was made for you" o "Honey I need your love", de los que ninguno consiguió éxito. Este declive musical se debía sobre todo a la producción de sus álbumes, a la mala promoción y al poco empeño por parte de Atlantic en la carrera de Aretha; por lo que, en 1979, decidió abandonar la compañía para firmar con Arista y el productor Clive Davis.

ROY ORBISON

Roy Orbison tuvo una vida llena de desgracias que le marcó personal y profesionalmente. Se casa, en 1957, con Claudette Frady de la queda viudo en 1966. Posteriormente, en 1969, se casa con Barbara Annemarie Welhoner Jakobs, a la que deja viuda en 1988.

Su principal influencia, y sus principios, son el country y el golspel. Con sólo seis años su padre le enseña a tocar la guitarra. Comienza a tocar con un grupo country que forma en el colegio The Winck Westeners”. En Vernon, su pueblo natal, tiene su propio programa de radio en la KVWC. En la universidad conoce a [Pat Boone] y funda su segundo grupo con el que graba una maqueta para [Sam Phillips] dueño de [Sun Records] sello de Memphis que tiene cantantes como Elvis Presly, Jerry Lee Lewis, Johnny Cash, Carl Perkins y otros que van evolucionando del country al rockabilly como puente al R&R. Es esta relación con el entorno de Sun Records la que lo lleva al rock cuando a él le gustaba más las baladas. En 1956 con Oooby Dooby obtiene su primer éxito, realiza giras por los Estados Unidos con otros músicos de la Sun Records y se va a Acuff-Rose Music Publishers donde compone para Everly Brothers (Claudette canción dedicada a su esposa), para Jerry Lee Lewis (Down the Line) y otros. De Acuff-Rose va, en 1959, a la Monument Records donde obtiene un gran éxito con Only The Lonely , Running Scared, Cryin, Dream Baby, In Dreams, Mean Woman Blues, Blue Bayou, It's Over y, sobre todos, Oh! Pretty Woman . En 1963 va de gira a Inglaterra con The Beatles (aquí es donde cambia la imagen por la de las gafas negras) y obtiene un gran éxito, por lo que continua volviendo a tocar con The Rollings Stones. Las relaciones con su mujer se van enfriando y están separados a puntos de divorciarse. Buscando seguridad se va a la MGM, quizás por emular a Elvis Presley y rodar películas que daban, al menos a Elvis, una entrada de dinero anual sin gran esfuerzo. Sólo hace dos Fastest Guitar in the West (1967) y Fastest Guitar Alive, The (1967), en ambas interpreta a un espia-guitarrista-cantante de la confederación en la guerra civil de los Estados Unidos. Son aun peores que las de Elvis y sin éxito por lo que su ambición de carrera cinematográfica se termina el mismo año en que comienza. Las relaciones con Claudette estan en vías de arreglarse cuando, a la vuelta de presenciar unas carreras, tienen un accidente de motocicleta y su mujer muere. Como tratamiento a su dolor se dedica a realizar giras en pleno declive. Tal como él mismo confiesa a un periodista: "Todo lo que hacía era sobrevivir. Intentaba buscar mi válvula de escape dentro de todo este tumultuoso periodo de mi vida. Lleva su tiempo volver a encaminarte. Y yo no podía responder a las demandas de la industria discográfica. No tengo nada en contra del artista que sólo se dedica a cantar, pero la historia es completamente distinta para aquél que además de ponerle voz a los temas debe componerlos y arreglarlos" En 1967 busca una inyección de animo en el público europeo y mientras se encuentra en Inglaterray dos de sus tres hijos mueren en un incendio en su casa de Nashville.

En 1970, la MGM, que tampoco está muy boyante, decide rescindir el contrato.

En los años 70, mientras en Europa se le sigue recordando, en los EE. UU. Está olvidado. Graba algunos discos con Mercury pero sin éxito. Mientras en Australia e Inglaterra consigue discos de oro). La utilización de Oh! Pretty Woman en anuncios de TV lo vuelve a popularizar en los Estados Unidos, así como versiones, que de sus temas, hacen otros interpretes: Linda Ronstadt Blue Bayou,Monta conciertos con The Eagles, Jefferson Starship, Tubes y Boz Scaggs con éxito. En 1978 vuelve a cambiar de sello y firma con Elektra Records, con la que graba Laminar Flow. En los 80 fueron más conocidas las recopilaciones y, sobre todo, las versiones que hacían otros interpretes de sus canciones que su propio trabajo. La utilización por David Lynch de In Dreams en su película Blue Velvet.

En 1981 gana su primer y único Grammy por el dueto con Emmylou en la categoría country. En 1987 es elegido para the Rock and Roll Hall of Fame. El premio lo recibió de la mano de Bruce Springsteen que dijo: "Algo del rock'n'roll refuerza amistades, y también a la comunidad. Las baladas de Roy fueron siempre resultaron ser las mejores cuando estabas solo en la oscuridad". Las canciones, continuó diciendo Springsteen, "descubrían el lado oculto del romance pop -eran peligrosas. Cuando me fui al estudio para grabar el álbum Born To Run, quise escribir letras como las de Bob Dylan pero que sonaran con el estilo de Phil Spector... también quería cantarlas como Roy Orbison. Pero nadie canta como Roy Orbison"

ROy Orbison muere de un ataque al corazón el 6 de diciembre de 1988.


Discografía
Sencillos

1956 Trying To Get To You/Ooby Dooby Je-Wel 101
1956 Ooby Dooby/Go Go Go Sun 242
1956 Rock House/You're My Baby Sun 251
1957 Sweet And Easy To Love/Devil Doll Sun 265
1957 Chicken Hearted/I Like Love Sun 284
1958 Seems To Me/Sweet And Innocent RCA 7-7381
1958 Almost 18/Jolie RCA 47-7447
1959 Paper Boy/With The Bug Monument 409
1959 Uptown/Pretty One Monument 412
1960 Only The Loney/Here Comes That Song Again Monument 421
1960 Blue Angel/Today's Teardrops Monument 425
1960 I'm Hurtin'/I Can't Stop Loving You Monument 433
1960 Sweet And Easy To Love/Devil Doll Sun 353
1961 Running Scared/Love Hurts Monument 438
1961 Crying/Candy Man Monument 447
1962 Dream Baby/The Actress Monument 456
1962 The Crowd/Mama Monument 461
1962 Working For The Man/Leah Monument 467
1962 Paper Boy/Here Comes That Song Again Monument CSx-1
1963 In Dreams/Shahadaroba Monument 806
1963 Falling/Distant Drums Monument 815
1963 Blue Bayou/Mean Woman Blues Monument 824
1963 Pretty Paper/Beautiful Dreamer Monument 803
1964 Borne on the wind/What’d I say (UK) Monument/London
1964 It's Over/Indian Wedding Monument 837
1964 Pretty Woman/Yo Te Amo Maria Monument 851
1964 Pretty Paper/Summersong (UK) Monument/London
1965 Goodnight/Only With You Monument 873
1965 (Say) You're My Girl/Sleepy Hollow Monument 891
1965 Ride Away/Wondering MGM 13386
1965 Crawling Back/If You Can't Say Something Nice MGM 13410
1965 Ride Away/Crawling Back MGM K 13756
1966 Breakin' Up Is Breakin' My Heart/Wait MGM 13446
1966 Distant Drums/Let the Goodtimes Roll Monument 906
1966 Twinkle Toes/Where Is Tomorrow MGM 13498
1966 Lana/Our Summersong Monument 939
1966 Too Soon To Know/You'll Never Be Sixteen Again MGM 13549
1966 Breakin' Up Is Breakin' My Heart/Too Soon To Know MGM K 13757
1966 There Won’t Be Many Coming Home/Going back to Gloria (UK) MGM/London
1966 Communication Breakdown/Twinkle Toes MGM K 13758
1967 So Good/Memories MGM 13685
1967 MGM Celebrity Scene Promo Set: MGM CS 9-5 (DJ)
1967 Cry Softly Lonely One/Pistolero MGM 13764
1967 She/Here Comes The Rain Baby MGM 13817
1968 Born To be Loved By You/Shy Away MGM 13889
1968 Walk On/Flowers MGM 13950
1968 Heartache/Sugar Man MGM 13991
1969 My Friend/Southbound Jericho Parkway MGM 14039
1969 Break my mind/How do you start over (UK) MGM/London
1969 Penny Arcade/Tennessee Owns My Soul MGM 14079
1970 She Cheats On Me/How Do You Start Over Again MGM 14105
1970 So Young/If I Had A Woman Like You MGM 14121
1971 (Love Me Like You Did It) Last Night/Close Again MGM 14293
1972 God Love You/Changes MGM 14358
1972 Remember The Good/Harlem Woman MGM 14413
1972 Remember The Good/If Only For A While MGM 14413
1972 Memphis, Tennessee/I Can Read Between The Lines MGM 14441
1973 Blue Rain/Sooner Or Later MGM 14552
1973 I Wanna Live/You Lay So Easy On My Mind MGM 14626
1974 Sweet Mama Blue/Heartache Mercury 73610
1975 Hung Up On You/Spanish Nights Mercury 7365
1975 It's Lonely/Still Mercury 73705
1976 Belinda/No Chain At All Monument 2588690
1976 I'm A Southern Man/Born To Love Me Monument 45 200
1977 Drifting Away/Under Suspicion Monument 45 215
1979 Easy Way Out/Tears Asylum F46048
1979 Poor Baby/Lay It Down Asylum E 46541
1980 That Lovin'You Feelin' Again ( Emmylou Harris) Warner WBS49262
1985 Wild Hearts- Inst version/Ooby Dooby/Crying ZTT/Island
1985 Bith Of Rock and Roll/same/Rock and Roll America/Smash 884 760 7
1987 In Dreams/Leah Virgin 7 99434
1987 Crying (with kd lang)/Falling Virgin 7 99388
1988 Handle With Care/Margarita (Traveling Wilburys-PS)Wilbury/WB 7 27732 A

EPs/Mini LPs

1962 Crying/Our Summer Song/Let's Make A Memory/ Lana/Lonelyness/Nite Life Monument MSP-2,
1963 In Dreams/Lonely Wine/Shahadaroba/ Dream/Blue Bayou/Gigolette Monument MSP-003,
1963 All I Have to do is Dream/Beautiful Dreamer/My Prayer/No One Will Ever Know/Sunset/House Without Windows Monument MSP-003 2,
1964 In Dreams (mini LP)Monument SSP-503,
1964 More Of Roy Orbison's Greatest Hits (mini LP) Monument SSP-506 1,
1964 Demand Performances MSP-010 1,
1965 Orbisongs-Volume One (mini LP)Monument SSP 512,
1967 Roy Orbison's Greatest Hits (mini LP) Monument SSP 515,
1967 The Classic Roy Orbison (mini LP)MGM SLM 4347,
1967 Early Orbison (mini LP)Monument SSP 526,
1967 More Of Roy Orbison's Greatest Hits (mini LP) Monument SSP 527

Albums

1961 Lonely And Blue Monument SM 14002,
1961 Roy Orbison At The Rock House Sun LP 1260,
1962 Crying Monument SM 14007,
1962 Roy Orbison's Greatest Hits Monument M 4009,
1962 Orbiting With Roy Orbison and Bristow Hopper Pickwick SDLP-164,
1963 Roy Orbison's Greatest Hits (re issue) Monument MLP 8000,
1963 In Dreams Monument SLP 18003,
1963 Demand Performances (compilation) Monument SLP 18010,
1964 In Dreams (re issue with green and gold label) Monument SLP 18003,
1964 Early Orbison Monument SLP 18023,
1964 More Of Roy Orbison's Greatest Hits Monument SLP 18024,
1965 There Is Only One Roy Orbison MGM SE 4308,
1965 There Is Only One Roy Orbison (Capitol Club edition) MGM/Capitol ST 90454,
1965 Orbisongs Monument SLP 18035,
1966 The Orbison Way MGM SE 4322,
1966 The Orbison Way (Capitol Club Edition) MGM/Capitol ST 90631,
1966 The Classic Roy Orbison MGM SE 4379,
1966 The Classic Roy Orbison (Capitol Club Edition) MGM/Capitol ST 90928,
1966 The Very Best Of Roy Orbison (purple and blue cover) Monument SLP 18045,
1967 Roy Orbison Sings Don Gibson MGM SE 4424,
1967 Roy Orbison Sings Don Gibson (Capitol Club) MGM/Capitol ST 91173,
1967 The Fastest Guitar Alive MGM SE 4475,
1967 Cry Softly Lonely One MGM SE 4514,
1969 Roy Orbison's Many Moods MGM SE 4636,
1969 The Original Sound Of Roy Orbison Sun 113,
1970 The Great Songs Of Roy Orbison MGM SE 4659,
1970 Hank Williams-The Roy Orbison Way MGM SE 4683,
1970 Zig Zag (movie soundtrack) MGM 1 SE 21st,
1972 Roy Orbison Sings MGM SE 4835,
1972 All-Time Greatest Hits Of Roy Orbison CBS PZ 31484,
1972 Memphis MGM SE 4867,
1973 Milestones MGM SE 4934, 1974 I'm Still In Love With You Mercury SRM 1045,
1975 The Living Legend Of Roy Orbison Candlelite P2-12946,
1976 Regeneration Monument MG 7600,
1976 All-Time Greatest Hits Of Roy Orbison (re issue) Monument MP 8600,
1977 Roy Orbison's Greatest Hits Monument MC 6619,
1977 In Dreams Monument MC 6620,
1977 More Of Roy Orbison's Greatest Hits Monument MC 6621,
1977 The Very Best Of Roy Orbison Monument MC 6622,
1979 Laminar Flow Asylum 6E 198,
1980 Roadie (movie soundtrack) Warner Bros 2HS 3441,
1982 My Spell On You Hits Unlimited 233 0,
1985 Class Of 55 (Lewis, Cash and Perkins) America/Smash AR LP100,
1985 Class Of 55 Polygram 830 002-1,
1985 Class Of 55 (Interview album)America/Smash AR/LP100 1,
1985 Insignificance (movie soundtrack) Zenith ZTT 1Q4,
1986 Blue Velvet (movie soundtrack) Varese Sarabande STV81292,
1986 The Great Roy Orbison Silver Eagle SE 1046,
1987 In Dreams-The Greatest Hits Virgin 90604 1,
1987 Less Than Zero (movie soundtrack) Def Jam/Columbia SC44042,
1987 Hiding Out (movie soundtrack) Virgin 790661-1,
1988 For The Lonely Rhino 71493,
1988 Traveling Wilburys Volume 1 Wilbury 1 27576,
1989 Mystery Girl Virgin 791058 1,
1989 Our Love Song CBS AK 45113,
1989 Best Loved Standards CBS AK 45114,
1989 Rare Orbison CBS AK 45115,
1989 The All-Time Greatest Hits of Roy Orbison CBS AGK 45116,
1989 Polaroy (promo for A Black And White Night) Virgin CD PRCDPolaroy,
1989 A Black And White Night Live Virgin 91295,
1989 Classic Roy Orbison 1965-1968 Rhino R2 70711,
1989 The Singles Collection 1965-1973 Polydor 839234 1,
1989 The Sun Years Rhino R2 70916,
1990 The Legendary Roy Orbison CBS CD Box Set,
1990 Rare Orbison II CBS AK 45404,
1990 Roy Orbison/Little Richard RCA 9969 2 R,
1992 King Of Hearts Virgin 86520,
1994 Shades Of Roy Orbison Sony A24991,
1996 The Very Best Of Roy Orbison Virgin 42350,
1997 Combo Concert Orbison Records HCC19650,
1997 Interview CD Orbison Records,
1998 Live At The BBC Mastertone 8224,
1998 A Black And White Night Orbison Records ROBW7891-2,
1999 Roy Orbison-The Anthology Orbison Records ORB3805-2,
1999 Official Authorized Bootleg Orbison Records ORB3803-2,
2000 A Black And White Night (remastered) Orbison Records ORB3813-2,
2000 Live At Austin City Limits Orbison Records ORB3812 2

THE - QUEEN

“INNUENDO” Y LA MUERTE DE FREDDIE (1991)

Recién empezado 1991 se publicó el single de adelanto “Innuendo”, con una estructura muy similar a sus grandes temas de los 70, tipo “Bohemian Rhapsody”, de duración media, épica y con varias partes diferenciadas. El LP se publicó en febrero de ese año, con una producción espectacular para unos temas muy trabajados que abarcaban estilísticamente todas las etapas de la vida de Queen.

Fue el último disco de Queen en vida de Freddie. Él ya sabía que sería así, los médicos le habían pronosticado que no llegaría a grabarlo, pero lo consiguió. A trancas y barrancas pudo asistir a las sesiones de grabación y contar en el propio disco que se iba. “The show must go on” es su epitafio, aunque hay quien interpreta que fue una forma de anunciar que habría otro disco tras su muerte. Sin embargo, el propio Brian May siempre ha dicho que su despedida real fue la del clip de “These are the days of our lives”, en la que Freddie termina mirando fijamente a la cámara, repitiendo la última frase de la canción (“I still love you”) con una sonrisa cómplice y desapareciendo por un lateral.

Mientras tanto, el disco funcionaba muy bien y tuvo buena aceptación tanto entre los fans de siempre como en los de la última época. Como tampoco hubo gira de presentación, los miembros del grupo se entretenían con múltiples cosas, por ejemplo Brian May organizó la noche de las guitarras de rock, dentro de las “Leyendas de la guitarra” de Sevilla, en la que le acompañaron Joe Satriani, Steve Vai, Nuno Bettencourt, Steve Walsh, Steve Ferrone, Mike Moran, Cozy Powell, Paul Rodgers, Don Airey, Rick Wakeman, Gary Cherone y Neil Murray, casi nada.

Tras la grabación y publicación de “Innuendo” Freddie todavía tenía fuerzas para seguir trabajando, así es que intentó aprovechar el tiempo que le quedaba en la grabación de otro disco más. Cuando se sentía con fuerzas acudía al estudio y registraba las voces, aunque él mismo presentía que no le daría tiempo a terminarlo.

El 23 de noviembre de 1991 se anunció oficialmente que Freddie Mercury tenía SIDA. Al día siguiente falleció.





“LIVE AT WEMBLEY ‘86” (1992) Y CONCIERTO-HOMENAJE

Por aquel momento se acababa de publicar la segunda parte del “Greatest hits”, que tuvo un empujón inesperado con la muerte de Freddie. No contenta con ello, la compañía publicó en 1992 otro disco en directo, “Live at Wembley ’86”, que no era sino la pista de sonido del video de mismo nombre publicado unos años antes. Salió como disco doble en directo y tenía algunos momentos memorables, como las versiones de algunos clásicos como “Baby I don’t care”, “Tutti fruti”, “Hello Mary Lou” y “Give me some lovin’ “, o la recuperación del solo de guitarra de “Brighton rock”.

El 20 de abril de 1992 se celebró en el estadio Wembley de Londres un macro-festival para rendir tributo a Freddie Mercury. Los restantes miembros de Queen lo habían anunciado por sorpresa en la entrega de premios ‘BRIT Awards’ que se celebró en el mes de febrero, y en la que recibieron el premio al mejor single del 91 (“These are the days of our lives”) y un premio póstumo a Freddie Mercury por su contribución a la música británica. En ese anuncio no dijeron quiénes iban a actuar, pero aun así las entradas se agotaron nada más ponerse a la venta.

Los tres miembros restantes de Queen comenzaron los ensayos en marzo, un mes antes del acontecimiento, puesto que llevaban cerca de 6 años sin tocar en directo. Finalmente el concierto-homenaje tuvo lugar con la participación de grupos como Metallica, Def Leppard, Extreme o Guns’n’roses, además de Brian, Roger y John interpretando temas de Queen con la ayuda de Roger Daltrey, Elton John, Liza Minelli, David Bowie y Robert Plant entre otros. El concierto se retransmitió por TV a todo el mundo y se publicó en forma de vídeo a finales de año.

En septiembre de 1992 se publicó el primer disco de Brian May titulado “Back to the light”, que llevaba preparando bastantes años atrás. A pesar de lo guitarrero del LP, el primer single fue “Too much love will kill you”, una balada que resumía en su título todo lo que podría estar pasando por su cabeza. Una vez puesto en circulación, May formó su banda y empezaron una gira como teloneros de Guns’n’Roses que les llevó por América del sur y Europa, y posteriormente como cabezas de cartel por Japón, Europa y USA.



“MADE IN HEAVEN” (1995)

A finales de 1992 se publicó un nuevo disco de Freddie Mercury en solitario, “The great pretender”. Ya en 1993 se publicó un miniLP con las versiones en directo que grabó George Michael y el resto de Queen en el concierto-homenaje de Wembley, lo que desató todo tipo de conjeturas que al final se quedaron en eso.

En 1994, Brian May publicó un nuevo disco titulado “Live at Brixton Academy”, y Roger Taylor sacó otro en solitario titulado “Happiness?”, con el que hizo una gira por Europa y Japón.

A finales de año May, Deacon y Taylor, considerando que había pasado suficiente tiempo como para no tacharles de oportunistas se pusieron manos a la obra con todo el material que había dejado grabado Freddie Mercury tras la grabación de “Innuendo” para dar forma al disco póstumo que Freddie quería. El trabajo terminó en el otoño de 1995, y finalmente “Made in Heaven” se publicó en noviembre de ese año.

El disco comienza y termina de la misma forma, con dos minutos largos de notas que se prolongan en el final de la grabación durante 22 minutos, como si quisieran decir que aquello no termina ahí. Se incluye también “Mother love”, la última canción que grabó Freddie (cuyas últimas notas pertenecen a “Going back”, la primera que grabó en toda su vida) y también “Too much love will kill you”, la balada que publicó Brian May en su disco pero esta vez cantada por Mercury.

“Made in Heaven” supuso el final de la historia.

Podría seguir contando la vida y milagros de los tres supervivientes de Queen hasta 2004, pero Queen terminan justo aquí. Por muchos recopilatorios, temas inéditos, directos y rarezas que quieran publicarse, el grupo murió con la publicación de “Made in Heaven”. Todo lo que aparezca será bienvenido pero pertenecerá ya a una banda que fue pero ya no existe, puesto que ellos mismos (en innumerables ocasiones) manifestaron ese deseo. Queen fueron Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon, y ya no pueden volver a ser.

DISCOGRAFÍA OFICIAL:

1.

Queen (13 de julio de 1973)
2.

Queen II (3 de marzo de 1974)
3.

Sheer heart attack (8 de noviembre de 1974)
4.

A night at the opera (21 de noviembre de 1975)
5.

A day at the races (10 de diciembre de 1975)
6.

News of the world (28 de octubre de 1977)
7.

Jazz (10 de noviembre de 1978)
8.

Live killers (22 de junio de 1979)
9.

The game (30 de junio de 1980)
10.

BSO Flash Gordon (8 de diciembre de 1980)
11.

Greatest hits (2 de noviembre de 1981)
12.

Hot space (21 de mayo de 1982)
13.

The works (27 de febrero de 1984)
14.

A kind of magic (2 de junio de 1986)
15.

Live magic (1 de diciembre de 1986)
16.

The miracle (22 de mayo de 1989)
17.

Queen at the Beeb (4 de diciembre de 1989)
18.

Innuendo (4 de febrero de 1991)
19.

Greatest hits II (28 de octubre de 1991)
20.

Classic Queen (3 de marzo de 1992)
21.

Live at Wembley ’86 (26 de mayo de 1992)
22.

Made in heaven (6 de noviembre de 1995)
23.

Queen Rocks (3 de noviembre de 1997)
24.

Greatest hits III (1999)



FREDDIE MERCURY EN SOLITARIO:

- Mr. Bad guy (1985)

- Barcelona (1988)

- The Freddie Mercury Album (1992)

- The great pretender (1992)

- Remixes (1993)



BRIAN MAY EN SOLITARIO:

- Brian May and friends: Star fleet project (1983)

- Back to the light (1992)

- Live at Brixton Academy (1994)

- Another world (1998)

- Red special (1998)

- Furia (2000)

ROGER TAYLOR EN SOLITARIO:

- Fun in space (1983)

- Strange frontier (1985)

- THE CROSS: Shove it (1987)

- THE CROSS: Mad, bad and dangerous to know (1990)

- THE CROSS: Blue rock (1991)

- Hapiness?

- Electric fire (1998)

JOHN DEACON EN SOLITARIO:

- BSO Biggles

SMILE:

- Gettin’ smile (1982)

- Ghost of a smile (1997)

ALGUNOS PIRATAS Y RAREZAS INTERESANTES:

- A tribute to Freddie Mercury (concierto-tributo de Wembley - 1992)

- Demories pleases majesties (rarezas – 1994)

- Her Majestic’s jewels (rarezas)

- In nuce (de la época de Smile – 1995)

- In the lap of the Queen (directo en Seattle/USA - 1977)

- Xmas 1975 (concierto de navidad del 75 – 1989)

- Rock in Japan (directo en Osaka/Japón – 1985)

TRIBUTOS INTERESANTES:

- Tributo a Queen: Los grandes del rock en español (Grupos de pop españoles y latinoamericanos - 1997)

- Dragon attack: A tribute to Queen (con la participación de gente como John Petrucci, Rudy Sarzo, Tommy Aldridge, Chris Impelliteri, Marty Friedman, Carmine Appice, Ted Nugent, Lemmy, etc. - 1996)

- Five live (May, Deacon y Taylor con George Michael en directo – 1993)

- Queen classics (Royal Philharmonic Orchestra – 1995)

VIDEOS OFICIALES:

- Greatest flix

- Greatest flix 2

- Live in Japan

- We will rock you

- The works

- Live in Rio

- Who wants to live forever / A kind of magic

- Live in Budapest

- Bohemian Rhapsody / Crazy little thing called love

- The magic years

- Rare live: A concert through time and space

- The miracle

- Live at Wembley

- We are the champions

THE - QUEEN

“THE GAME” (1980) Y OTRO CAMBIO

A finales de 1979 se publicó el single “Crazy little thing called love”, una especie de rockabilly a lo Elvis. Tuvo tanto éxito que iniciaron una gira a la que llamaron “Crazy tour”, primero por pequeños garitos británicos, y luego extendiéndola por otros países teniendo como punto álgido la participación en los “Concerts for the people of Kampuchea” junto con otros grandes grupos como los Who, Pretenders o los Wings de Paul McCartney.

Este tema entró a formar parte del siguiente disco en estudio, aunque antes incluso de empezar a grabar el LP se publicó otro single de adelanto con “Save me”. Una vez concluidas las tareas de grabación se publicó un tercer single con “Play the game” y por fin, en junio de 1980 sale a la venta “The game”, uno de los discos más controvertidos de toda su discografía.

Parece como si con el directo “Live killers” hubieran querido zanjar una época y ponerse al día rápidamente con la llegada de la nueva década, al menos “The game” tenía poco que ver con discos anteriores en cuanto al sonido general del grupo y la forma de componer, mucho menos recargada.

Dicho ‘nuevo’ sonido tuvo varias características: la utilización de sintetizadores en determinadas partes, la mayor sencillez en las composiciones, el alejamiento progresivo de los sonidos heavies y el acercamiento a otros estilos como el funky. Precisamente esto último les dio pingües beneficios con “Another one bites the dust”, lo que en el momento se llamó un “llena-pistas” (calificativo hortera donde los haya).

Sin embargo, y pese a la división de opiniones, “The game” contenía temazos como “Dragon attack” o “Rock it” que mantenían a los fans más rockeros al pie del cañón, aunque este último tenía arreglos de sintetizadores que encresparon los ánimos de los más puristas.



“B.S.O. FLASH GORDON” (1980)

Una vez en la calle el nuevo disco aprovecharon para hacer otras cosas y tomarse un respiro. Roger Taylor publicó un disco en solitario, y entre todos se pusieron manos a la obra para terminar el encargo hecho por Dino DeLaurentiis sobre la película “Flash Gordon”.

El resultado fue casi tan malo como la propia película. Poca cosa salvable, si acaso el single “Flash” quien no evitó que la banda sonora marcara uno de los momentos más bajos de la carrera musical de Queen, aunque todavía llegaron cosas peores...



CAÍDA Y VACACIONES: “HOT SPACE” (1982)

Todos los grupos tienen su punto negro, y éste es el caso. La influencia del tecno-pop, en dura pugna con el heavy metal de la NWOBHM, ganó la batalla. Las guitarras prácticamente desaparecieron (sólo existen en “Put out the fire”), dando paso a bases rítmicas compuestas especialmente para las pistas de baile, con el bajo machacón y la batería completamente perdida entre arreglos de sintetizadores.

Si acaso destacar que cuando estaban grabando el disco en Suiza se acercó por allí David Bowie y aprovecharon para grabar con él “Under pressure”, el single de adelanto.

Una vez visto el fracaso estrepitoso y la pérdida de credibilidad por parte de los fans más antiguos, decidieron tomarse otro descanso más largo que el anterior, publicando “Greatest hits”, un recopilatorio con los singles de más éxito de su carrera pero con pocas concesiones a los cortes más rockeros del grupo.



VUELTA AL TAJO: “THE WORKS” (1984)

Durante el periodo de alejamiento de Queen, cada miembro por separado hizo sus colaboraciones o pinitos en solitario, pero a finales de 1983 volvieron a reunirse para empezar a trabajar en un nuevo disco que hiciera olvidar el horroroso “Hot space” y todo lo que le rodeaba.

El primer single de “The works” no hacía presagiar ningún cambio: se trataba de “Radio ga-ga”, una decidida apuesta por el pop de listas de éxito carente de interés para los amantes de los Queen de los setenta, pero que devolvió al grupo al primer plano de la actualidad musical.

El LP completo salió en febrero de 1984, y más de uno respiró aliviado al escuchar cortes poderosos como “Tear it up” o “Hammer to fall”, o incluso “Man on the prowl” que iba muy en la línea de “Crazy little thing called love”. Sin embargo sólo fueron un espejismo. Cosas como “I want to break free” siguieron sumando pasta a las arcas del grupo y haciéndoles sentirse a gusto, lo que definitivamente eliminó cualquier posibilidad de volver a recuperar a los Queen de antaño. Por cierto, el clip de “I want to break free” aún hoy causa admiración por la caracterización de los músicos.

Aquel año fue bastante productivo en lo que se refiere a publicaciones del grupo, pues además de “The works” también pusieron a la venta el vídeo “We will rock you” con actuaciones en Canadá en 1981. Roger Taylor editó su segundo disco en solitario y Freddie Mercury publica el single “Love Kills”, que posteriormente formó parte de la banda sonora de la película “Metrópolis”.

El año siguiente no grabaron LP, pero hicieron cosas memorables como participar en los macrofestivales “Rock In Rio” de Rio de Janeiro y en el “Live AID” que montó Bob Geldof (Boowmtown Rats) en el estadio Wembley de Londres el 13 de julio de 1985 junto a otro montón de grupos históricos. También fue el año en el que Freddie Mercury publicó su primer disco en solitario (abril de 1985), “Mr. Bad Guy”, y en el que vio la luz una caja recopilando todos los discos del grupo, además de uno de canciones inéditas y rarezas titulado “Queen: The complete works”.



“A KIND OF MAGIC” (1986), GIRA Y DIRECTO

Siguiendo la costumbre de publicar singles antes que LPs, le tocó el turno a “One vision” para promocionar el siguiente disco de estudio “A kind of magic” (en la calle en mayo del 86).

Este disco también sirvió para ponerle música a la primera parte de la película “Los inmortales” de Russell Mulcahy.

El contenido no hacía demasiadas concesiones al rock duro (“Give me the price” es la más potente), más bien es una colección de canciones de pop perfectamente radiables y auténticos hits en potencia. La que le da título, “A kind of magic”, sonó hasta la saciedad, igual que “Friends will be friends” o “Who wants to live forever”.

El verano de 1986 fue bastante movido. John Deacon hizo la banda sonora de otra película: “Biggles”, y el grupo se embarcó en el “Magic tour” que les llevó a tocar al otro lado del telón de acero (concretamente en Budapest) y en el macrofestival de Knebworth ante más de 200.000 personas y que constituyó el último concierto en directo de Queen, aunque nadie lo sabía, ni siquiera ellos mismos (estoy obviando la actuación del concierto-tributo a Freddie Mercury tras su muerte, lógicamente).

De las actuaciones en Budapest y en el Wembley se publicaron sendos vídeos, y viendo que había algunas tomas muy buenas decidieron por sorpresa editar un disco en directo titulado “Live magic” en el que se incluían los éxitos más recientes (“One vision”, “A kind of magic”, “I want to break free”, “Radio ga-ga”...) y los imprescindibles (“Bohemian rhapsody”, “We will rock you”, “We are the champions”...).



UN DESCANSITO Y “THE MIRACLE” (1989)

Tras el “Magic tour” se toman un descanso prolongado. En 1987, Freddie publica un single titulado “The great pretender” de bastante éxito, y también colabora con la cantante de ópera Montserrat Caballé en la grabación de la canción “Barcelona”, la cual fue adoptada como himno oficial de los juegos olímpicos de Barcelona’92. Visto el éxito, Freddie Mercury y Montserrat Caballé grabaron más canciones y dieron forma a un LP completo.

El resto de miembros del grupo también hizo alguna cosilla para entretener el tiempo, Brian May produjo varios grupos y participó con Meat Loaf en la confección del tema-himno de los juegos paraolímpicos de Los Ángeles, y Roger Taylor montó un grupo llamado The Cross con los que editó un LP en 1988.

Pero 1989 comenzó con el anuncio de la grabación de un nuevo disco en estudio, “The miracle”, que finalmente apareció publicado en la primavera de ese año. El single de adelanto, “I want it all” era bastante contundente, lo que hacía presagiar que aumentarían los guiños al hard rock, y no tanta concesión a la comercialidad.

Bueno, el resultado no es que fuera el de un disco netamente rockero, pero bastante más guitarrero que su predecesor sí era. Contenía algunas canciones como “The invisible man”, “Scandal” o “Breakthru” especialmente diseñadas para hacer caja, pero en general se puede hablar de una mejora considerable en la calidad de las composiciones.

A finales de año se publicó una rareza en directo, “Queen at the Beeb” , la grabación de un concierto en ese local en 1973.

Otra cuestión extramusical empezó a comentarse por aquella época: Freddie estaba notablemente desmejorado con respecto a sus últimas apariciones unos años atrás. Los rumores apuntaban a una posible infección por el virus del SIDA debido a su tendencia homosexual. Esto fue alimentado también porque el propio Freddie se encargó de anunciar que tras la salida del disco no habría gira de presentación, con lo que se dedujo que él mismo ya podría saber que estaba infectado y comenzando a empeorar. También contribuyó a alimentar los rumores la aparición de Freddie en la TV inglesa tras obtener un premio de la industria discográfica británica por la trayectoria de Queen. En aquella aparición estaba mucho más delgado, con un hablar más pausado y con síntomas de cansancio físico. Era febrero de 1990.

El resto de miembros del grupo negaban una y otra vez que Freddie tuviera SIDA, y dejaron pasar algo de tiempo en el trabajo con Queen, haciendo otras cosas como la publicación del segundo disco de The Cross, producciones a otros artistas, etc. A su vez la compañía puso en circulación el vídeo “Live at Wembley ‘86”, hasta que cayeron en la cuenta de que para acallar los rumores lo mejor era grabar un buen trabajo discográfico, y se pusieron manos a la obra.

CONCURSO SOBRE EL VINILO -HISTORIA Y FUNDAMENTOS

Concurso:

Tematica: La historia del vinilo.

Hemos regalado ya a los acertantes:

2 entrada sala Penelope el dia 26 : Idalmis Alonso Vega

1 Vinilo: Abel Quesada Perez

1 Vinilo: Daniel Blázquez de Salazar
Preguntas:
¿como se llama el sitio por donde la aguja corre, por encima del vinilo?

Respuesta: Micro - Surcos.

¿Cuando oímos un CD que es lo que escuchamos en realidad?

Respuesta: En realidad, no estás escuchando música, sino códigos y dígitos, tonos y frecuencias que recrean el sonido de la música

¿quien tenia esta teoria sobre el Vinilo?: ( .....Neil Young..... ) piensa que, como el CD tiene un formato digital no es música como tal, sino sonido dispuesto en forma de códigos binarios, podemos advertir absolutamente todos los detalles de una canción la primera vez que la escuchamos.

........¿y ( Neil Young ) de que tipo de estilo fue el primer precursor?



Respuesta: Se le catalogó como al primer grupo grunge junto con Crosby, Stills, Nash & Young.

el vinilo mas resistente, que peso tiene?

Respuesta: 180 gramos.

¿que diferencia hay entre el CD y el Vinilo, en cuanto la audición de la música se refiere?

Respuesta: El sonido de un disco de vinilo es analógico desde la fuente hasta la salida; no experimenta cambios de onda decisivos en un buen equipo. La información sonora de un compact es, en cambio, digital. Al salir, se debe convertir nuevamente en analógica y, para ello, ha de reducir las curvas originarias de sonido a 0 y 1, con lo que se pierden matices. Quizás sea esa la razón por la que, el pasado año, Sony/Philips lanzó la idea del reproductor de CD Súper Audio, con el reclamo de que el sonido poseería «la misma calidez del vinilo».

Los ganadores recibireis información de vuestro premio proximamente. Labuat Fans Club Oficial

QUEDADAS COMPRA DEL CD EN PRINCIPALES TIENDAS DEL PAIS

creo que los de Madrid tendréis mucha suerte.... os llevareis una grata sorpresa

QUEDADAS COMPRA DEL CD EN PRINCIPALES TIENDAS DEL PAIS

MADRID
FNAC CALLAO
CORTE INGLÉS DE SOL

BARCELONA
FNAC TRIANGLE - PLAZA CATALUNYA

VALENCIA
FNAC SAN AGUSTIN
C/ Guillem De Castro 9-11
46007 Valencia
Valencia

SEVILLA
fNAC SEVILLA
Avenida de la Constitución 8
41001 Sevilla
Sevilla

ZARAGOZA
FNAC PLAZA DE ESPAÑA

THE - QUEEN

LOS ORÍGENES (1970)

En la Inglaterra de finales de los 60, Beatles y Rolling Stones seguían siendo los amos del cotarro, pero ya empezaban a sonar grupos con sonidos apartados del beat o del rock and roll más standard (Pink Floyd, Status Quo...). Precisamente, en una de las actuaciones de Pink Floyd en 1968 en el Imperial College de Londres, fueron teloneados por un grupo llamado Smile, formado por estudiantes de aquel centro. Los músicos/estudiantes en cuestión eran un tal Brian May (guitarra), Tim Staffel (bajo y voz) y Roger Taylor (batería).

A partir de ahí, Smile consiguió una cierta popularidad entre el público universitario, hasta que un día alguien se fijó en ellos y los fichó para grabar un single que, por cierto, sólo salió en Estados Unidos, cosas de la industria de aquella época. Ni que decir tiene que no tuvo ninguna repercusión, al menos donde a ellos les interesaba que era en su propio país, de manera que Tim Staffel se hartó y dejó el grupo en 1970.

Para sustituirle pensaron en un conocido de Roger Taylor, un cliente asiduo de la tienda de ropa en la que trabajaba y alguien que frecuentaba las actuaciones de Smile, se llamaba Farookh Bulsara pero todos le llamaban Freddie. Era una persona bastante introvertida, pero que siempre tuvo la idea de montar un grupo de rock en el cual el aspecto visual tuviera gran importancia, algo así como un espectáculo musical con base de rock potente, tipo Led Zeppelin o Jimi Hendrix, que diera forma a algo bastante alejado de la idea clásica de los Beatles.

El primer paso fue cambiarle el nombre al grupo, que pasó a llamarse Queen, y después hubo que buscar un nuevo bajista. Tras un año probando con diferentes músicos, al final se les unió definitivamente John Deacon a mediados de 1971.



PRIMER DISCO: “QUEEN” (1973)

Durante los dos años siguientes se dedicaron a madurar la idea de grupo que querían para Queen. No solamente la teatralidad rockera, sino también el tratamiento de las voces, guitarras y el aspecto general de su música, aparte de componer temas con suficiente calidad como para grabar un primer disco que impactara, y tras la reclusión voluntaria comenzaron las sesiones de grabación gracias a ciertos contactos que tenían en la compañía y estudios Trident.

Las condiciones de grabación no es que fueran precisamente las mejores, pero se conformaban con grabar en el mismo estudio en el que trabajaban como músicos de alquiler o probando equipos para otros, cuando las estrellas (léase Bowie o Elton John) terminaban de grabar lo suyo, la mayoría de las veces por la noche o de madrugada.

Una vez terminado el primer disco, EMI se hizo cargo de él y lo publicó en julio del 73 junto con el primer single “Keep yourself alive”. Lo que contenía el LP eran 10 temas en los que dominaban las voces y las guitarras. Sonidos duros, guitarras saturadas con punteos doblados sobre los que se dibujaban líneas vocales muy onduladas, con abundancia de coros en varias voces y mucha riqueza orquestal, acústicas, piano... O lo que es lo mismo, el estilo de Queen prácticamente perfilado, ese que luego maduraron y repitieron a lo largo de su vida artística, con más o menos acierto.



LA CONFIRMACIÓN: “QUEEN II” (1973)

La sofisticación en el sonido, con un cierto aire glam (todo lo contrario a la actitud hippy que acababa de arrasar) atrajeron no solamente al público sino también a la propia EMI, quienes viendo que ahí había materia prima decidieron que el segundo disco del grupo había que grabarlo inmediatamente, y no ya en los ratos muertos del estudio, sino con todo el tiempo del mundo. De forma que en septiembre de 1973, apenas un par de meses después de la publicación del primer disco, comenzaron las labores de grabación del segundo.

Paralelamente a la grabación, Queen iniciaron una gira como teloneros de Mott the Hoople por todo U.K., incluyendo una espectacular actuación en el Imperial College de Londres, de la que siempre han dicho fue su lanzamiento definitivo. De ahí se derivaron algunas actuaciones fuera del Reino Unido y otra en el prestigioso programa de TV “Top of the Pops” sustituyendo a David Bowie. Para esta ocasión editaron en single “Seven seas of Rhye”, ya incluido en el primer disco, pero con bastantes modificaciones (la versión del primer disco es instrumental y de poco más de un minuto de duración) y la presentaron en el programa, lo que les sirvió para entrar en las listas de venta británicas con muy buen resultado de ventas. Era febrero de 1974.

Un mes más tarde se publicó “Queen II”, con el que consiguieron superar en ventas al disco anterior. La línea general del disco era similar a la de “Queen”, con alguna concesión más a las guitarras acústicas y al refinamiento (en una onda muy Led Zeppelin, su grupo de referencia) pero sin perder ni pizca de dureza, todo lo contrario, quizá la mejor definición sea una mezcla perfecta entre los Who y Led Zeppelin con la melodía característica de su propio primer disco. Se incluyó la versión del “Seven seas of Rhye” que apareció para Top of the Pops y fue su tema más destacado de los 11 que componen el LP.

Prepararon una gira por Inglaterra para la que llevaron de teloneros a los Nutz de Dave Lloyd. Una vez terminada la gira se les presentó la oportunidad de repetir como teloneros para Mott the Hoople, pero esta vez en Estados Unidos. La mala fortuna quiso que unos días después de iniciar la gira tuvieran que abandonarla por problemas de salud de Brian May, y el lugar de Queen lo ocuparon Kansas, banda que estaba dando sus primeros pasos también por aquella época.



“SHEER HEART ATTACK” (1974)

Los problemas de salud de Bryan May no terminaban. De hecho, en la grabación del tercer disco apenas apareció más que para grabar las guitarras y algunas voces en momentos en los que podía tenerse en pie. Esto pudo ser la causa de que “Sheer heart attack”, publicado en noviembre de 1974, contuviera algunos temas que iban evolucionando a partir del hard rock de los primeros dos discos, por ejemplo “Killer Queen”, su tema-estrella del álbum, el cual ya incluía algunos elementos que iban a suponer las señas de identidad posterior del grupo. El caso es que a partir de bases duras estaban empezando a coquetear con el pop y, sabiendo que May es el elemento más heavy del grupo, probablemente su escasa aportación al día a día de la grabación hizo posible el inicio de la paulatina transformación.

Sin embargo, todavía seguía siendo un disco de pleno hard rock con temas históricos como “Brighton rock”, “Now I’m here” o el bestial “Stone cold crazy” (versionado por Metallica y asiduo en su repertorio en directo).

Después de la publicación del disco vino una gira por los USA y otra por Japón, donde el disco fue Nº 1.



SU OBRA MAESTRA: “A NIGHT AT THE OPERA” (1975)

Estaba claro que Queen daba para mucho y podían llegar mucho más lejos. Ellos también tenían claro que tenían que realizar algunos cambios sensibles para poder despegar definitivamente, y entre ellos estaba la renegociación del contrato con EMI y partir peras con su manager Jack Nelson, con quien se llevaban bastante mal.

Tenían entre manos un proyecto de disco para el que necesitaban mucha infraestructura, incluyendo también mucho dinero y una campaña de promoción brutal. John Reid, manager de Elton John, les incluyó en su nómina con la intención de hacer de Queen un grupo a la altura de unos Led Zeppelin. Pero también necesitaban grabar ese disco que les diera el empujón definitivo, y lo hicieron. Se tituló “A night at the Opera” y se publicó en noviembre de 1975, tras cuatro meses de grabación (Solo “Bohemian Rhapsody” se llevó tres semanas de esos cuatro meses).

Este disco tenía muchos elementos distintos a los publicados anteriormente. No se centraba tanto en el trabajo de guitarra, pasando ese protagonismo a las voces. Las composiciones eran más largas y más recargadas, mucho más intrincadas armónicamente y de entre ellas sobresalía “Bohemian Rhapsody”, el tema más emblemático de toda la carrera de Queen. Se eligió como single, aunque algunas emisoras tuvieron bastantes reparos en pincharlo debido a su longitud y a lo ‘raro’ de la propuesta, ya que mezclaba en una misma pieza partes heavies con otras operísticas o más lentas. Poco a poco fueron sucumbiendo ante la evidencia de estar frente a una de las grandes canciones de la historia del Rock y finalmente tanto el single como el disco tuvieron el reconocimiento que se merecían, aparte de convertirse en superventas.

El LP se abría con “Death on two legs (dedicated to...)”, en la que ponían a parir a su anterior manager Jack Nelson. Otros temas eran las conocidas (por más asequibles) “You’re my best friend” (segundo single) o “Love of my life”, pero también están “You’re in love with my car”, mucho más dura, la intrincada “The prophet’s song” con esas voces dobladas del propio Mercury, o ritmos de cabaret años ‘20 como el de “Seaside rendez-vous”.

En un par de meses llegó a vender un millón de copias, y una de las principales ayudas para llegar a vender tanto fue la edición de lo que muchos consideran el primer video-clip de la historia, una montaje de imágenes del grupo con “Bohemian Rhapsody” de fondo.

Se montaron varias giras por Estados Unidos y Japón con la particularidad de que cuando tocaba interpretar “Bohemian Rhapsody”, al no poder reproducir en directo la parte operística central, el grupo abandonaba el escenario porque no querían tocar en play-back mientras sonaban las voces pregrabadas, y regresaban para ligar con la parte siguiente.



“A DAY AT THE RACES” (1976)

De lo que no entró en “A night at the opera” se construyó este nuevo. No son ‘sobras’ del anterior, sino temas escritos a la vez que no pudieron entrar pese a la idea inicial de Brian May de publicar un disco doble.

Empezaron a preparar los temas del nuevo disco a finales de verano, y se publicó en diciembre de 1976, con un primer single titulado “Somebody to love”, una especie de gospel muy en la línea de los temas del disco anterior y cuando todo el mundo ya tenía asumido que los Queen crudos de los dos primeros discos habían dado paso a otros de hard rock aderezado con elementos tan variados como los mostrados en estos dos últimos discos. Otro ejemplo de esto mismo es “Good old fashioned lover boy”, en el que mezclan un efectivo solo de May con buenísimas voces y aires de película musical americana.

Sin embargo, “A day at the races” contenía también cortes como “Tie your mother down” o “White man”, en los que May se suelta la melena y que sirvió también para que los seguidores más duros no dieran la espalda al grupo.



PRIMER CAMBIO: “NEWS OF THE WORLD” (1977)

En 1977, la ampulosidad de Queen empezó a contrastar con el incipiente punk liderado por los Sex Pistols, quienes cuestionaron la concepción megalómana del rock de la época presentando temas simples y directos. Aquellos que tenían las ideas claras no se sintieron atacados, pero algo de mella hizo en todos los grandes grupos de los setenta, especialmente los más glamourosos, y Queen no fueron una excepción.

En ese año graban y publican su siguiente disco “News of the world”, bastante distinto a los dos anteriores por estar mucho menos obsesionados con las partes operísticas y los guiños a otros estilos que no fueran rock puro, y por lo tanto con más espacio para las guitarras y los sonidos duros. Ejemplos en la archiconocida “We will rock you”, “Sheer heart attack” o “Fight from the inside”. Había también reminiscencias al rock and roll clásico como en “Sleeping on the sidewalk”, baladas para el lucimiento de Freddie Mercury como “My melancholic blues” y por supuesto “We are the champions”, que salió como single.

Por aquella época hubo una crisis entre el grupo y su manager que terminó con la marcha de éste, para que John Deacon se hiciera directamente con el control de la actividad extramusical del grupo. Lo primero que hizo John fue preparar una gira europea para 1978 y la grabación del siguiente disco de estudio, “Jazz”.



“JAZZ” (1978) Y “LIVE KILLERS” (1979)

Para la grabación de este disco volvieron a llamar a Roy Thomas Baker, quien ya les había producido “A night at the opera”. A la criatura la pusieron por título “Jazz”, aunque éste no tuviera nada que ver con su contenido ni por asomo.

Se iniciaba con “Mustapha” una cosa rara de aires árabes, pero también contenía temas tan importantes en la carrera de Queen como “Fat bottomed girls”, “Don’t stop me now” o su primer single “Bicycle race” con polémica incluida al grabar un clip de la canción incluyendo varias fans desnudas en bicicleta en el estadio de Wimbledon.

A pesar de esto, “Jazz” obtuvo críticas feroces de la prensa especializada debido, sobre todo, al carácter continuista con respecto a “News of the world” y con la presión del punk como agente desestabilizador. Aun así, la gira de presentación de 1979 fue espectacular, en ella se incluyó Japón y a la vuelta grabaron varios conciertos en el tramo europeo para ser publicados como disco en directo, era abril de 1979.

“Live killers” salió en junio y la gira posterior les ocupó el resto del año. Ya les habían propuesto escribir la música para la película “Flash Gordon”, y fue durante esa época cuando iniciaron los trabajos de composición, que duraron cerca de dos años, aprovechando el rescoldo del disco en estudio y con el margen de tiempo que les dio el directo, que fue doble y, al menos en España, se publicó censurado con unos pitidos en algunas partes del disco coincidiendo con comentarios de Freddie, por ejemplo en el inicio de “Death on two legs”. Curiosidades de la industria discográfica.

Contenía todos los éxitos de listas del grupo hasta la fecha, “We will rock you”, “Killer queen”, “Bicycle race”, “Don’t stop me now”, “Bohemian rhapsody”, etc. pero también dejaba clara la vocación de Queen por el rock duro al elegir temas en esa onda, algunos con partes realmente memorables, como el solo de guitarra de Brian May en “Brighton rock”, muy espectacular para aquel momento.

RINCON "SONRÍAN POR FAVOR" By Julian Sorel

Así que estoy en la barra de un bar, puede que en el centro, apurando mi tercera cerveza sin demasiados planes para esa noche. Sin demasiados planes para el resto de noches en realidad. Suena una canción de Alicia Keys y hace bastante calor. Fuera aún es de día. Aquí dentro no estoy seguro.

La camarera es una rubia imponente. Se mueve de un lado a otro de la barra canturreando la canción de Alicia. Es guapa, muy guapa. El bar está vacío o, al menos, me lo parece. Apuro el último trago de cerveza y le pido otra a la rubia. Sonríe sin mirarme, saca otro tercio de la cámara frigorífica, lo abre y me lo acerca dejándolo sobre el mostrador.

- ¿Celebras algo? – me dice, con acento de Lauren Bacall.
- San Valentín – respondo levantando la botella a modo de brindis.

Ella se ríe, pero no dice nada más. Casi mejor. Pienso que va siendo hora de largarme. Realmente es muy guapa. Demasiado. Alicia canta “en ocasiones un hombre sólo necesita la caricia de una mujer”.

De repente entra alguien y se sienta a mi lado en la barra. Es un tipo pequeño, rubio y bajito, y su cara me resulta condenadamente familiar. Lleva una gabardina azul que parece cuatro tallas mayor lo menos. Trae consigo un aparatoso maletín, muy grande, casi más grande que él mismo, que deja junto a su silla. Pide un café y permanece un rato con la mirada perdida en ninguna parte mientras la camarera se lo sirve. Luego sigue un rato más observando la taza humeante. La rubia está ahora al otro extremo del local; miro hacia allí casi sin querer y mis ojos se cruzan un instante con los suyos. Creo que sonríe. Supongo que yo también, así que decido que es hora de irme. Me incorporo a duras penas del taburete y saco mi cartera.

- ¿Cree usted en el amor? - me pregunta de repente, a bocajarro, el tipo bajito.
- ¿Perdone?
- Qué si cree usted en el amor, ya sabe... Con estos tiempos que corren quiero decir… - su rostro parece algo triste o quizá es una impresión mía.
- Pues… supongo que sí. El amor es algo que siempre está ahí. Digo yo… - atino a responder torpemente sin demasiado entusiasmo.
- Sí, claro. Siempre está ahí. Eso es cierto - el tipo parece hablar para sí sólo y se queda otra vez ensimismado en su café.

Dejo el dinero sobre la barra y me marcho sin decir nada más. Tampoco me despido de la rubia. Definitivamente es demasiado guapa.

Efectivamente fuera todavía es de día. Me pongo las gafas de sol y pienso que no tengo nada que hacer hasta la hora de dormir, aún es muy pronto. Así que me siento en un banco, justo enfrente del bar. Hace un poco de frío y es por eso que me doy cuenta que he perdido la maldita bufanda. Aunque puede que no la cogiera esta mañana… tanto da.

Una pareja de novios está justo en el banco de al lado, haciéndose la respiración boca a boca. Puede que se hayan mareado o algo.

Al otro lado de la calle, junto a un semáforo, un tipo alto y grande como una montaña pasea nervioso mirando constantemente el reloj. Lleva un ramo de rosas que adorna de vez en cuando ligeramente con los dedos, mientras lo olfatea y su cara se ilumina. Parece muy contento.

Después de un rato, me digo a mí mismo que qué demonios hago allí sentado y decido marcharme. Así que me pongo en pie y justo en ese instante veo al tipo bajito de la gabardina azul salir del bar. Es más pequeño de lo que parecía y tiene la misma cara de preocupación de antes. Es entonces cuando ocurre algo insólito. Se quita la dichosa gabardina y sólo lleva unos calzoncillos blancos debajo. Parece un niño. Dos pequeñas alas se mueven temblorosas en su espalda, como espabilándose. Abre el maletín y saca un pequeño arco y un carcaj repleto de flechas. Se los cuelga, mira a ambos lados de la calle, como queriendo pasar desapercibido, y se marcha volando.

Por un momento tengo la tentación de preguntarle a la parejita de al lado si ha visto lo mismo que yo, pero siguen haciéndose la respiración boca a boca. Debe haber sido un mareo importante. El tipo grande de la acera de enfrente ya no está sólo. Una chica bajita, muy delgada, sonríe y estrecha cuidadosamente contra su pecho el ramo de rosas. El chico es tan alto que casi tiene que cogerla en brazos para besarla.

Miro de nuevo hacia la puerta del bar y, para mi sorpresa, la camarera rubia se acerca a mí son esos enormes ojos color miel. Trae también sus curvas con ella. Por un momento me olvido de todo lo demás y mi corazón late al ritmo de sus caderas.

- ¿Es suya esta bufanda? - me pregunta con esos labios carnosos y despiadados.
- Eh… sí. Sí, es mía. Pensé que la había perdido. Muchas gracias.
- De nada.

Me coloca suavemente la bufanda al cuello y se da media vuelta, no sin antes dedicarme otra espectacular sonrisa. Lleva una minifalda de las que quitan el hipo, suben la fiebre y aceleran el ritmo cardiaco. La veo caminar hacia el bar y es justo en ese preciso instante cuando me doy cuenta de que estoy perdido.

Maldito enano con alas. Me la ha vuelto a jugar…

Decido por unanimidad que necesito otra cerveza, así que cruzo corriendo la calle y me dirijo nuevamente al bar. Después de todo, aún es pronto…

ENMA SHAPIN

Nacida en París en 1974, Emma recuerda que, siendo una niña, era demasiado tímida "incluso para hacer un ruidito, así que no digamos ya para cantar", y que su familia no era especialmente musical. Pero sus pasiones musicales salieron a la luz a los once años cuando oyó a la Reina de la Noche de La flauta mágica de Mozart. Fue un momento de trascendencia, aunque para su divertida vergüenza, Emma admite que esta intoducción al mundo de la ópera y el bel canto llegó a través de un anuncio de televisión. No obstante, así se forjó una relación amorosa de por vida: "Corrí a mi habitación e intenté cantar la melodía inmediatamente. Entonces fue cuando me enamoré por primera vez de cantar", dice. "En ese momento supe que era así como quería cantar. Ésa era la música que conmovía mi alma".

Poco convencida en un principio de cómo satisfacer su deseo de cantar, no fue hasta que tuvo 14 años cuando Emma conoció a una profesora que pudo ayudarla a hacer realidad sus sueños. "Era una anciana pequeñita, de unos 70 años, y en su día había sido una gran cantante. Se rodeaba de velas, de gatos y de su piano y a mí me encantaba toda esta atmósfera", recuerda Emma. "Entré en contacto con estas partituras por primera vez y leí el texto italiano, que parecía tener algo de misterioso y romántico". También le dijo a Emma que era una soprano coloratura. "Cantar era aún para mí como jugar con una muñeca. Ella encontró mi voz y empezó lentamente a hacerla salir".

Emma dio clases con ella durante dos años y quedó convencida de que había encontrado su objetivo en la vida. Pero estaba también acercándose a una edad en la que sus padres estaban preocupados por las perspectivas de una carrera y por su futuro. "No pensaban que cantar pudiera ser un trabajo como Dios manda", recuerda Emma. "Mi padre era policía y pensaba que quizás yo debería seguir sus pasos. Mi madre era secretaria y pensaba que ése sería un buen trabajo para mí. Entiendo por qué querían que me concentrase en mis otros estudios. Pero para mí cantar es una afirmación de estar viva".

Continúa rindiendo tributo a su antigua profesora, pero no ha vuelto a verla desde entonces. "Aún me siento culpable de haber puesto fin a las clases", explica. Todos los grandes cantantes te dirán que la voz es un don y el no poder utilizar ese don es algo que hizo que Emma se sintiera vacía. "No sabía lo que quería hacer. Pero tenía la sensación de que había hecho algo mal. Me sentía reprimida. Si no canto, exploto", dice.

Su deseo de cantar no desapareció y pronto habría de resurgir de una manera radicalmente diferente cuando entró a formar parte de un grupo de heavy metal. "Algunos compañeros de clase estaban formando un grupo de rock y estaban buscando realmente un cantante masculino", recuerda Emma. "Querían alguien que pudiera gritar, así que les dije que yo podría hacerlo". Su oferta fue aceptada y durante los dos próximos años abandonó las escalas y los ejercicios operísticos y fumó dos paquetes de cigarrillos al día para que su voz se volviera más áspera y adecuada para el rock.

Sin embargo, aunque disfrutaba con los gritos, empezó a añorar la música de la ópera. Un día un amigo de su madre llevó a la joven cantante de rock a una representación de Don Giovanni de Mozart en un teatro de ópera de París. Era la primera vez que veía una ópera sobre un escenario y quedó maravillada. "Pensé que después de oír algo tan hermoso tenía que morirme", recuerda. "Teníamos entradas de anfiteatro y recuerdo que quisé saltar y volar".

Emma empezó otra vez a buscar un profesor y decidió matricularse en una escuela de música. Sin embargo, pensó que el estilo de enseñanza era frío y formal y pronto emprendió viaje con una amiga a Nueva York. "Mientras estuve allí canté algo de rhythm & blues, que en cierto sentido tiene una fuerza semejante a la ópera. Es muy primitivo y ha contribuido mucho al modo en que me acerco al canto en la actualidad", dice.




Cuando regresó posteriormente a Francia, volvió a retomar las clases de canto. Pero para entonces ya había decidido que no quería dedicarse al mundo de la ópera, especialmente después de que un profesor la acusara de introducir cosas raras en su interpretación de un aria famosa. "Eso me hizo plantearme que debía encontrar mis propios modos de expresión y utilizar mi voz para inventar algo propio y personal".

Un encuentro casual en una fiesta con el compositor y estrella del pop francés Jean-Patrick Capdvielle le dio su oportunidad. Ya se conocían de antes pero, con una audacia de la que ella sigue asombrándose, le pidió que escribiera un álbum para ella: "Pero yo no soy Verdi", le dijo él. "Y yo no soy una verdadera cantante de ópera, así que deberíamos hacer algo juntos", contestó ella.

Su audacia claramente dejó huella en él porque, una semana más tarde, la llamó por teléfono y empezaron a trabajar juntos. "Llegó ese momento perfecto en el que era del todo evidente que la cosa iba a funcionar", dice Emma. Lo cierto es que funcionó tan bien que el álbum resultante, Carmine Meo, publicado en 1997, ha vendido ya más de dos millones de copias. El álbum se encaramó a lo más alto de las listas de discos francesas, vendiendo 100.000 copias en sus primeros tres meses y haciendo que Emma consiguiera el primero de sus numerosos discos de oro.

El éxito llegaría poco después en el mercado internacional, ya que Carmine Meo ascendió a lo más alto de las listas en todo el mundo, a menudo rebasando a álbumes de artistas como Céline Dion y Madonna.

Pero, mientras que la mayor parte de la música para Carmine Meo fue escrita por Capdvielle, Emma estaba decidida a escribir su propio material para su segundo álbum. Firmó con un nuevo sello, Ark 21, y empezó a buscar un nuevo colaborador musical. Miles Copeland, el director de la nueva compañía, le recomendó a Graeme Revell, un compositor cuya obra había aparecido en la banda sonora de la película El planeta rojo. Demostró ser una decisión perfecta. "En su música encontré un eco de lo que yo estaba buscando", afirma Emma.

El nuevo álbum fue creado amorosa y meticulosamente durante mucho tiempo, de modo que no hay una sola nota o palabra que estén fuera de lugar. Lleno de introspección poética y de sorprendentes imágenes, todas las letras de las canciones fueron escritas por Emma, que contribuyó también sustancialmente a la música y los arreglos; cada canción presenta un carácter diferente creado gracias a su vívida imaginación para expresar una emoción o una idea diferentes. Ricamente evocadores, hay casi un elemento visual en los retratos sonoros de Emma: "Me gusta pensar en ella como música que puedes mirar", dice. Lo cierto es que concibió "ETTERNA" no simplemente como un álbum de música sino como parte de una experiencia audiovisual en la que el diseño gráfico, los vídeos (que idea ella misma), su propio cuerpo y su vestuario e incluso los efectos de luz en sus apariciones escénicas así como la concepción de las fotografías constituyen una parte esencial.

También tomó la sorprendente decisión de escribir y cantar las canciones en italiano, un idioma que no elige para hablar. Y, lo que es incluso más llamativo, optó no por el idioma tal y como se habla hoy, sino por el italiano antiguo y poético del siglo XIV de escritores como Dante y Boccaccio. "Quería algo que tuviera un carácter intemporal, onírico", explica. "Cantar en un idioma cotidiano habría roto el hechizo. Quería que el disco siguiera siendo como un sueño".

Si es un sueño, entonces éste está ahora haciéndose realidad para Emma Shapplin. "ETTERNA" es un álbum bendecido con una belleza extraña e íntimamente perfumada que parece llamado a superar incluso el éxito de Carmine Meo. Si su primer álbum se caracterizaba por los elementos de la tierra y el fuego, dice, "ETTERNA" es más aire y agua. Sus texturas son suaves y dulces, delicadas e incluso frágiles. Pero al mismo tiempo son también sombrías y lujosas, como una fuerte fragancia o un terciopelo arrugado. "Todo es una cuestión de equilibrio", dice.

"ETTERNA" es un álbum de un perfecto equilibrio y una elegancia natural. Un álbum especial de un lugar muy especial. El álbum de los sueños de Emma Shapplin.
Visita la Web Ofcial de Emma Shapplin

Álbumes

* 1997 - Carmine Meo, Pendragon Records S.L. / EMI

1. De l'Abîme au Rivage - 1:09
2. Spente le Stelle - 4:27
3. Vedi, Maria - 5:04
4. Carmine Meo - 4:17
5. Cuor Senza Sangue - 4:03
6. Favola Breve - 4:31
7. Reprendo Mai Piú - 3:43
8. Une Ombre Dans le Ciel - 0:58
9. Lucifero, Quel Giorno - 3:33
10. Ira Di Dio - 4:36
11. Miserere, Venere - 3:53
12. À la Frontière du Rêve - 1:20
13. Falta tu Estrella - 4:30
14. Cuerpo sin Alma - 4:07

* 2002 - Etterna, Ark 21 / Universal Music
* 2003 - El Concierto en Caesarea, Pendragon Records S.L. / EMI

EP

* 1999 - Discovering Yourself, EMI
* 2000 - Opera Trance vol.1 (compartiendo créditos con Chiara Zeffirelli), Radikal Records
* 2000 - Opera Trance vol.2, Radikal Records

Colaboraciones

* 1998 - Vento (30 Volte Morandi, Gianni Morandi)
* 2000 - Inferno (Red Planet, BSO)
* 2000 - Fifth Heaven (Red Planet, BSO)
* 2000 - Canto XXX (Red Planet, BSO)
* 2003 - Spente Le Stelle (ACNUR CD, con Giórgos Ntaláras)
* 2003 - I'll Go (Atmósfera, Omega Vibes)
* 2008 - Coup De Theatre (Psiche, Paolo Conte)

DVD

* 2003 - Etterna, Ark 21 / Universal Music
* 2003 - El Concierto en Caesarea, Pendragon Records S.L. / EMI

VANESSA MAE

En otro orden de cosas, Vanessa recibió un nuevo premio durante este agitado año. La gente de MTV Asia decidió premiarla como "Mejor artista Crossover del año", en una ceremonia que se celebró en Hong Kong.

El año 2002 comenzó, artísticamente hablando, en los EE UU de América. Mas exactamente en Salt Lake City, la meca de los Mormones. Allí, el 7 de marzo se abrieron oficialmente los juegos "Paralympics" -las olimpíadas para discapacitados- y fue Vanessa-Mae la encargada de musicalizar la ceremonia, cosa que hizo majestuosamente interpretando Storm. Al mes siguiente, tres conciertos en Brasil, como promoción de su álbum "STC", nos hicieron ilusionar a todos sus fans latinoamericanos con la posibilidad de visitas similares a nuestros países. Pero ello no ocurrió. Los recitales en Sao Paulo y Río de Janeiro recibieron apenas una tibia acogida por parte del público y los medios, mas afectos a otros géneros musicales. No obstante, los fans brasileños de Vanessa tuvieron una oportunidad única de ver a su artista y no la dejaron escapar. Bien por ellos.

A mediados de año, un nuevo trabajo "fuera de casa" apareció en los círculos vanessistas: el disco "Flow of Soul" del artista Takuro (cuyo subtítulo es 'Takuro meets Vanessa-Mae') traía arreglos de V-M en la sección de cuerdas de todos sus temas y un track muy bonito -Francis Elena- en el que Vanessa se luce como solista.

Para ir cerrando el año 2002, V-M y su oficina Fretless prepararon un cóctel de tres ingredientes y éxito seguro: nuevo disco, información fresca y confiable para sus seguidores (echando un poco de luz sobre algunos asuntos que se venían arrastrando hacía ya algún tiempo) y una gira de promoción. El disco en cuestión fue "The Best of Vanessa-Mae", un 'Grandes Éxitos' que intentaba resumir en un puñado de temas bien elegidos la fantástica carrera musical de su intérprete. La gira anunciada (The best of Tour) fue breve y enfocada exclusivamente en el mercado del Lejano Oriente: Cuatro conciertos en Hong Kong, Singapur, Malasia y Tailandia se llevaron a cabo en un ámbito que puede considerarse -en todo sentido- las antípodas de lo que sucede en Sudamérica; En estos remotos países de culturas milenarias y lenguajes ininteligibles, Vanessa-Mae es realmente grande y sus actuaciones en vivo suelen ser aguardadas con mucha expectación. Existe un feedback único entre ella y el público oriental que la transformó en una especie de "hijo pródigo" de Oriente y le otorgó, con sus halagos, su apoyo incondicional y su afecto, una suerte de "multi-nacionalidad" esteña, a pesar de que ella haya nacido "sólo" en Singapur.

También por esos días de conciertos en el sureste asiático, Vanessa dijo que: se suspendía la publicación de su libro autobiográfico por tiempo indefinido; que no iba a fusionar nunca mas clásicos y pop, sino que seguiría cultivando estos géneros por separado; que comenzaría a grabar un disco clásico de Tchaikovsky en la primavera (europea) de 2003; y que su próximo álbum pop aparecería recién en 2004. Acerca del fuerte rumor que indicaba que las relaciones con EMI estaban a punto de estallar, se excusó de dar detalles.

A principios de 2003, Vanessa-Mae apareció sorpresivamente para sus fans, en los créditos de un álbum virtual del cantante y tecladista Prince: "Expectation". Éste incluía cuatro tracks en los que colaboraba V-M aunando su violín eléctrico al saxo de la holandesa Candy Dulfer, en un estilo inusual de jazz experimental. Desafortunadamente, este trabajo de Prince no se puso a la venta, ya que su única razón de ser era ser distribuído entre los miembros del fans club del tecladista a través de Internet. No obstante, no queda a esta altura ningun buen fan vanessista que se precie de tal, que no tenga este "disco" en su PC.

Tambien en 2003 Vanessa participó en la entrega de los premios Classical Brit awards, siendo la elegida para entregar la estatuilla correspondiente al rubro "artista clásico más vendedor del año". El premiado fue el señor Andrea Boccelli y el instante de la entrega del reconocimiento fue una magnífica oportunidad de ver juntos a dos verdaderos monstruos de la música internacional.

Entre 2003 y toda la primera mitad de 2004, Vanessa tuvo que lidiar con el acoso de un médico demente de 50 años que merodeaba su casa insistentemente, dejándole cartas en cantidades exageradas, llegando a convertirse en un auténtico riesgo para la vida de la artista. La policía local actuó con celeridad y logró detenerlo un dia en que el desquiciado portaba un montón de cartas para ella y un puñal. Lamentablemente, la justicia fue demasiado blanda con el detenido, enviándolo a prisión primero, y luego beneficiándolo con una libertad bajo palabra, imponiéndole apenas la orden de no acercarse a la casa de la violinista, además de una multa en dinero y la amenaza de ir a prisión efectivamente si violaba aquella restricción. Como era de suponer, el doctor no pudo con su locura y volvió a las andadas, siendo detenido nuevamente. Hasta hoy no estoy muy seguro de qué han hecho los jueces con este peligroso sujeto.

En lo profesional, lo mas relevante del año 2004 ha sido, primero, el alejamiento definitivo de las filas de EMI, y el alistamientos a las huestes de SONY. Lo segundo, y directamente ligado a lo anterior, fue el lanzamiento en septiembre, de su novísimo disco "Choreography", un revolucionario trabajo en el cual Vanessa se reinventa a si misma, interpretando obras compuestas (a excepción de una) exclusivamente para ella por reconocidos autores europeos y asiáticos: Tolga Kashif, Vangelis, Walter Taieb, Jon Cohen, Bill Whelan y A R Rahman. El disco es una atrevida recorrida por diferentes ritmos de danza de distintas partes del mundo, aunque la obra toda tiene un innegable tinte indio y medio oriental. Hay desde un bolero, al estilo del famoso Raveliano, hasta un tango y una pieza con aires cubanos, además de un minueto de Handel. Este trabajo discográfico de tan solo 10 temas, aun no ha sido puesto a la venta en Argentina. Sin embargo, puede comprarse tranquilamente en Mexico y en España, además de en la mayoría de los demás países europeos. SONY anunció el lanzamiento en los EE UU para principios de 2005. Quizás Argentina entre en esta estapa de la distribución de Choreography. Tambien se debe recordar que Vanessa-Mae se ha visto, una vez mas, vinculada con los premios "Classical Brit Awards", teniendo el gigantesco honor de musicalizar la apertura de la ceremonia. En esta oportunidad, el público presente fue deleitado con una magistral interpretación de "Sabre Dance", primer track de su nuevo álbum.

Tanto aquella muy inusual (en cuanto a estilo) colaboración con Prince, como esta nueva y radical aventura que significa "Choreography", habla claramente de la concreción de aquella apertura en su ideología musical anunciada hace varios años cuando rompió el lazo que la ataba a su madre y, por extensión, a las ideas de aquella. Creo sinceramente que, el roce con artistas de vertientes culturales tan diversas redundará en un creciente enriquecimiento de su patrimonio musical y, por supuesto, en una mejora en la calidad de su composición, además de ensanchar su audiencia hacia gente de gustos musicales mas variados. Para su beneficio y el de todos los que la apreciamos.




Albumes

* Violin (1990)
* Kids' Classics (1991)
* Tchaikovsky & Beethoven Violin Concertos (Vanessa Mae) (1991/1992)
* The Violin Player (1995)
* The Alternative Record from Vanessa-Mae (1996)
* The Classical Album 1 (1996)
* China Girl: The Classical Album 2 (1997)
* Storm (1997)
* The Original Four Seasons and the Devil's Trill Sonata: The Classical Album 3 (1999)
* The Classical Collection: Part 1 (2000)
* Subject to Change (2001)
* The Best of Vanessa-Mae (2002)
* Xpectation (Jazz colaborando con Prince) (2003)
* The Ultimate (2003)
* Choreography (2004)

Ediciones especiales

* The Violin Player: Japanese Release (1995)
* The Classical Album 1: Silver Limited Edition (1997)
* Storm: Asian Special Edition (1997)
* The Original Four Seasons and the Devil's Trill Sonata: Asian Special Edition (1999)
* Subject to Change: Asian Special Edition (2001)
* The Ultimate: Dutch Limited Edition (2004)

Singles

* "Toccata & Fugue" (1995)
* "Toccata & Fugue - The Mixes" (1995)
* "Red Hot" (1995)
* "Classical Gas" (1995)
* "I'm a-Doun for Lack O' Johnnie" (1996)
* "Bach Street Prelude" (1996)
* "Happy Valley" (1997)
* "I Feel Love Part 1" (1997)
* "I Feel Love Part 2" (1997)
* "The Devil's Trill & Reflection" (1998)
* "Destiny" (2001)
* "White Bird" (2001)

Filmografía

* The Violin Fantasy (1998)
* Arabian Nights (2000)